SELLOS AUDIÓFILOS, ¿REALIDAD O QUIMERA?

Gracias S.Yo tengo algunos sacds,la integral de sinfonias de Shostakovich,y sobre todo la banda sonora completa de Alexander Nevsky que tiene un sonido,en mi opinion,buenisimo.
Los Denon se oyen muy bien,tengo algo de Wagner y el concierto del festival de Praga del 91,Ma Vlast,de Smetana y la filarmonica checa dirigido por Kubelik
Un sdaludete

AIX RECORDS



http://aixrecords.com/

AIX records es la compañía de Mark Waldrep, fundada en 1992, y empeñada desde su nacimiento en ofrecer música en alta definición, primero en DVD y posteriormente en Blu-Ray. En todos sus discos encontramos múltiples posibilidades tecnológicas, como varias capas con diferentes formatos de sonido, también envolvente, y pistas con contenido audiovisual. Recientemente presentaba el nuevo formato Dolby TrueHD en sus nuevos Blu-Ray, compitiendo con ventaja sobre el DVD-Audio al doblar el número de canales discretos (hasta 16) y mayores posibilidades gracias al uso interactivo del metadata. La compañía de descargas online i-Tracks es parte del Grupo AIX.

Conservo de este sello algunos DVD de una época en que este formato era toda una novedad, y hasta hace poco no había podido escuchar su capa de audio en alta definición al no contar con el reproductor adecuado. Mis expectativas desde entonces han sido totalmente defraudadas, y esto lo explico disco a disco.

Una enorme parafernalia llama la atención a todo aquel que ponga sus ojos en la contraportada del DVD en que la AIX Allstar Band ejecuta una larga suite, cercana al jazz y con espíritu new age, bajo la etiqueta "Moonlight Acoustica" (AIX 80041). A pesar del sonido "masivo", la escucha no se hace dura. Me resulta difícil creer que no se haya usado algún tipo de ecualización o compresión, que es algo de lo que hace gala la compañía porque, por un lado, la zona alta del espectro está claramente amortiguada, e instrumentos de un carácter agresivo, como la batería, no destacan en el programa. Por otro lado, tampoco percibo una gran dinámica, ni siquiera en la percusión. Por lo demás, la escena estéreo es tan sólo un "panning" sin mayor interés, resultado de una simple mezcla en una consola. El timbre, el carácter y el color de cada instrumento es relativamente fiel, con la salvedad de esa amortiguación apuntada.

También llamativo es el envoltorio de una grabación de la 6ª de Beethoven en la interpretación de la New Jersey Symphony Orchestra (AIX 80006). La toma ha sido realizada con 12 pares de micrófonos situados a lo largo y ancho de la orquesta, sumando un total de 24 canales funcionando a 24 bits y 96 kHz. La intención inicial era conseguir una perspectiva similar a la que percibe el director desde su podio. Sin embargo, aquí la sensación de que se ha recurrido a ecualizador es mayor, y no es que los agudos aparezcan atenuados, más bien parecen mutilados de raiz. La experiencia, al menos con la capa estéreo, es como si estuviésemos escuchando algo semejante a una vieja cinta analógica pasada por un magnetofón con problemas de cabezales. Ignoro si en la capa multicanal, o en cualquier otra, hay algo diferente que mejore el panorama. Lástima, porque la interpretación es de nivel.

Finalmente, acudo a los grandes del barroco para ver si mejora algo la situación, junto con Haendel, Vivaldi y Marcello (AIX 81002). La primera impresión que recibo, y bastante desagradable, es que el volumen es demasiado alto, y el sonido aparece pegado a los altavoces. Hay buen tono y una cierta calidad sonora, pero se percibe con claridad una compresión en dinámica, que por fuerza atenúa la expresividad de la interpretación. También vuelvo a notar aquí un cierto "velo" en la componente más aguda, que no permite la aireación correcta de los armónicos ni de las cuerdas ni del clave. Deduzco que los micrófonos han sido colocados demasiado próximos a los instrumentos, ya que no tengo una imagen clara de la orquesta como un todo, más bien es una masa informe sin una sonoridad especial.

¿Es AIX un sello de carácter audiófilo? La intención es buena, pero por el material escuchado dudo que esta empresa domine el arte de la grabación tradicional. Más bien parece existir una cierta obsesión con las posibilidades técnicas de un disco en sus diferentes formatos, en vez de perseguir un producto puramente audiófilo. AIX tiene mi peor valoración en ese último aspecto.

BLUE NOTE



http://www.bluenote.com/

En un principio no tenía previsto hablar sobre esta compañía, sobre todo debido a su veteranía, pero me puede servir bien para ilustrar la importancia del trabajo de un buen ingeniero de grabación, junto con un buen equipo, para cambiar radicalmente el carácter de un disco.

Hablar de este sello es hablar del jazz grabado, debido a su extensísima historia y por su enorme discografía. Blue Note Records nació en 1939 gracias a Alfred Lion y Francis Wolff, quienes realizaron sus primeros trabajos en un estudio alquilado, pagando con bebidas a los músicos y realizando las tomas de madrugada. Históricamente, este sello ha estado asociado con el estilo de jazz hard bop, pero también con el blues y el soul. Entre los más destacados artistas que han grabado con este sello están Horace Silver, Jimmy Smith, Freddie Hubbard, Lee Morgan, Art Blakey y Miles Davis.

Después de una época de esplendor, llega la crisis. En 1965 Blue Note es comprado por Liberty Records, por lo que el sello parece estar acabado. Tras una serie de operaciones comerciales, Blue Note vuelve a la actividad en 1985 como una parte de EMI, manteniendo el viejo logo azul como un reclamo para los seguidores de la vieja marca. La reedición de álbumes clásicos en formato CD será una mina de oro con la que rentabilizar el amplio y valioso catálogo con el que cuentan.

He elegido varios discos del sello y lo he hecho de manera aleatoria para no sentirme influído por nombres importantes, como los de Miles Davis o John Coltrane. Al final, he encontrado que las dos épocas de Blue Note también tienen dos formas distintas de afrontar la realidad de la música grabada, y como se verá no siempre una época más moderna implica una mayor calidad.

Comienzo con la peculiar voz de Rachelle Ferrell, en su álbum "First Instrument" (CDP 8278202). Se trata de una grabación en vivo, y en mi opinión no es una toma precisamente perfecta. El sonido en general aparece comprimido, y a la cantante se le escucha siempre con el mismo volumen, ya grite, ya susurre. El resto de componentes ha recibido el mismo tratamiento. Por otro lado, el sonido me parece "flojo", con graves sin impacto, tonos medios poco claros, y agudos ligeramente duros. El disco podría resultar interesante en una lista de éxitos, especialmente por las acrobacias vocales de Ferrell, pero considero que no tiene un lugar en la discoteca de un amante del mejor audio.

También me ocupo de la más célebre Cassandra Wilson, a través de su título "New Moon Daughter" (CDP 8371832). En esta ocasión, la cálida voz de Wilson invita a seguir en la escucha, y el registro en general sugiere mayor suavidad. En definitiva, sonido sin aristas, con buena definición y correcto timbre instrumental. El balance tonal es aceptable, aunque el bajo se perfila de manera confusa. La dinámica también aquí aparece comprimida, y la espacialidad no es gran cosa. En resumen, buen disco en lo sonoro, pero nada especial.

Abordo también un CD recopilatorio de Lou Donaldson, "The Righteous Reed" (CDP 8307212). Su perfil dinámico es empastado, sin un matiz especial que sobresalga, y algo atenuado en la parte aguda. Nada excepcional, una serie de grabaciones de tipo estándar que reflejan la típica mezcla de instrumentos que se han reunido en un estudio, sin más cuidado. Por otro lado, no podemos pedir más de unos registros ya bastante antiguos, sin que sobresalgan por haber sido producidos por algún gurú de la grabación.

A continuación reviso dos discos de Blue Note que se oponen a todo el material anterior precisamente porque se han usado técnicas especiales, o bien se ha cuidado la grabación desde el principio, dando como resultado un producto de primera clase.

Extraordinario disco de origen Blue Note es "Green Street", de Grant Green (ST-84071). El disco fue grabado por Rudy van Gelder en 1961, y remasterizado en DSD para publicarse en SACD en 2010 ya bajo la etiqueta de Analogue Productions. Todo esto es de por sí garantía de que vamos a ofrecer una verdadera gema a nuestros oidos. El paso a DSD ha favorecido esta vieja cinta, sacando a relucir todo su colorido. Los tres instrumentos del trío se perciben con naturalidad, en medio de una gran calidez. Musicalidad pura y limpia, aderezada con una frescura que se conserva 50 años después, y ni siquiera asoma una arruga a la vista. La fatiga auditiva es nula tras escuchar varias piezas.

De una época posterior es el CD "The Carnegie Hall Jazz Band" (EMI 36728), bajo la dirección y producción de Jon Faddis, y la prestigiosa ingeniería de Mark Levinson, que utilizó para esta ocasión un equipo de naturaleza audiófila, de la firma Cello. Los seguidores del audio esotérico sabrán perfectamente de qué hablo. Bastaría decir que todo cambia de manera radical, con respecto a lo escuchado hasta ahora. La sensación de espacio es asombrosa: la enorme cantidad de microinformación nos permite advertir incluso el fondo del estudio, y los solistas adquieren un relieve y una situación en el escenario poco corrientes. Esta vez la sonoridad adquiere el cuerpo y los atributos físicos que le corresponden. Admirable es también la transparencia de la zona alta, donde se perfilan con precisión los platillos y los armónicos del viento. También el bajo está definido de forma soberbia. El mérito es aún mayor si consideramos que la partitura, con tantos músicos tocando a la vez, es bastante ruidosa.

No me pregunto, en esta ocasión, si Blue Note es un sello audiófilo. Por el análisis realizado supongo que quedan claras las conclusiones.

Que opinas de los SACD Telarc de Michel Camilo? Tengo idea de comprar varios en Amazon...

Hamilton escribió:

Que opinas de los SACD Telarc de Michel Camilo? Tengo idea de comprar varios en Amazon...

Hace poco cayó uno en mis manos, y es un buen disco (si quieres te digo luego cuál es). Eso en lo artístico, o por lo menos a mí me parece bueno, porque como "audiófilo" me parece que muy poco. Telarc hizo cosas muy buenas en sus comienzos, sobre todo usando el proceso de Soundstream y subiendo sus masters a 20 bits, pero después de aquella época de gloria quedó algo tocada, antes de pasar a mejor vida. Los discos de jazz latino de Telarc no me parecen gran cosa en ese aspecto. Un ejemplo son los CD de Al Di Meola, no me gustan cómo están grabados, suenan realmente mal y comprimidos a tope.

Mira que cuesta encontrar SACD en condiciones, madre mia.........gracias de todas maneras!

Me dejas alucinado con lo del DXD no sabía ni que existía!

Hace falta un reproductor especial para éste formato?

Hamilton escribió:Me dejas alucinado con lo del DXD no sabía ni que existía!

Hace falta un reproductor especial para éste formato?

Se reproduce en cualquier reproductor normal

El DXD es en realidad un proceso que permite la edición del material grabado, ya que el DSD es complicado de manejar. No un formato pensado para comercializar de forma pública, es decir, no hay discos en DXD puro. De hecho, hay algunos Compact Disc que muestran ese logo, pero porque se usado en alguna fase de su creación.

Con permiso de SACdofilo, os adjunto el documento de todos los sellos investigados hasta la fecha:

http://www.megaupload.com/?d=GTUV46UI

Para los te tengáis el Kindle lo podéis transformar en MOBI enviándolo a Amazon o con Calibre.


Saludos.

SACDófilo escribió:El DXD es en realidad un proceso que permite la edición del material grabado, ya que el DSD es complicado de manejar. No un formato pensado para comercializar de forma pública, es decir, no hay discos en DXD puro. De hecho, hay algunos Compact Disc que muestran ese logo, pero porque se usado en alguna fase de su creación.

Ya decía yo, por que los CD vienen ya "capados" a 44,1KHZ por lo que tengo entendido, no?

Yo mas que SACDófilo soy SACDelómano, por el acumulado, jajaaaaa.

Por cierto, Capriccio merece que le heches un ojo también.

Hamilton escribió:

SACDófilo escribió:El DXD es en realidad un proceso que permite la edición del material grabado, ya que el DSD es complicado de manejar. No un formato pensado para comercializar de forma pública, es decir, no hay discos en DXD puro. De hecho, hay algunos Compact Disc que muestran ese logo, pero porque se usado en alguna fase de su creación.

Ya decía yo, por que los CD vienen ya "capados" a 44,1KHZ por lo que tengo entendido, no?

Exacto, pero a pesar del "capado" la mejora es evidente.

DENON



http://www.denonclassics.com/sites/denon/home.asp

http://columbia.jp/

Como en el caso de Blue Note, Denon (división de Nippon Columbia) es una firma japonesa que ha tenido un papel muy relevante en la historia de la música grabada y en la evolución de la alta fidelidad doméstica. Como principal impulsor de las técnicas digitales, realizó grandes avances en la introducción del formato PCM, y de hecho en su logo tradicional aparece la palabra "PCM".

Denon realizó las primeras tomas digitales en una época tan remota como 1972, con músicos de la talla de Zuzana Ruzickova, Deszo Ranki, Zoltan Kocsis, y Maria João Pires. Como paradoja, estas primeras grabaciones digitales sólo pudieron ser publicadas en vinilo, ya que el Compact Disc aún tardaría una década en presentarse al público. Para la grabación se utilizaron equipos por entonces extremadamente sofisticados (funcionando a 44.1 kHz y a sólo 14 bits), basándose en una grabadora de video de formato Quadruplex, de las usadas para la television.

Para todos los interesados, aquí propongo un interesante enlace que explica el nacimiento y la evolución del sonido digital:

http://www.soundfountain.com/amb/cd25years.html

Durante décadas el nombre de Denon ha sido sinónimo de lo último en el estado del arte en el mundo del audio. Pero como otras muchas marcas veteranas, Denon ha tenido una evolución desigual como sello discográfico, y ha conocido una segunda vida gracias a la compañía americana independiente Denon Classics, que ha comprado sus derechos. Por otro lado, en la actualidad Nippon Columbia, también bajo el sello Denon, viene publicando discos con nuevo material, pero ahora en formato SACD.

Si traigo a Denon a esta sección de sellos audiófilos es por su uso de técnicas puristas de grabación, como la utilización de sólo dos micrófonos en lo que se denomina "one-point recording". Pero la empresa, al menos para mí, desde sus inicios ha presentado un excelente producto de la clase más refinada, que aún hoy compite con los nuevos formatos incluso de alta definición.

Desde hace muchos años, siempre he utilizado un CD de Denon para analizar el rendimiento de los equipos, y en especial de los cables de audio, debido a la extraordinaria sutileza de los matices que presentaba. Se trata de un álbum del violinista Jean-Jacques Kantorow (33C37-7505), parte de una colección que reúne los conciertos de violín de Mozart. El hecho de que el disco esté grabado con pre-énfasis siempre me ha parecido que era una ventaja con la que jugaba, y sinceramente he escuchado pocas cosas que se acercaran a esta representación realista de un violín. Es simplemente una referencia absoluta, donde se despliega todo lo que tiene de armonioso este instrumento, en una envolvente sedosa y cálida, de fácil escucha. De los instrumentos de viento puede decirse lo mismo, es lo más cercano que asimilo con respecto a la sonoridad de una orquesta real. También la cuerda grave y los timbales me parecen repletos de sonoridad, buena articulación, plenitud y redondez. El fortepiano, por su parte, es de una delicadeza sin igual, y sólo he escuchado timbres semejantes en mis mejores SACD.

También el violín es el principal protagonista en un CD cuyas estrellas principales son, de nuevo, Jean-Jacques Kantorow y Chee-Yun (GES-804). Definitivamente, la renderización del carácter sonoro de un violín alcanza su apogeo con discos como éstos. Desconozco el secreto principal para obtener tan maravilloso resultado, pero pienso que tiene mucho que ver con los selectos micrófonos utilizados, de Brüel & Kjær. Y no sólo el violín, también el resto de la cuerda presenta niveles de autoridad y contundencia que no son frecuentes. Queda claro para mí que Denon arranca las notas más bellas de la orquesta clásica, hablando en el plano estético, y lo ha hecho también en una época en que los más exigentes audiófilos hablaban de lo limitado del formato CD.

La contenida formación de un quinteto, interpretando piezas de Mozart (COCO-70915), permite una mejor discriminación de las cuerdas individuales. Otra vez, los omnipresentes Brüel & Kjær hacen un trabajo excelente, desentrañando cada detalle, y permitiendo el despliegue de una musicalidad sobresaliente, con plenitud de energía y suavidad, al mismo tiempo. La grabación no tiene el menor defecto y se saborea de principio a fin como si estuviésemos físicamente frente a los mismos músicos.

Las mismas obras, pero en la versión del Cuarteto Smetana, pueden ser comparadas en un registro más antiguo, del año 1976 (COCQ-84552). La remasterización es del año 2009, pero pese a su lanzamiento más reciente el carácter sonoro me resulta más oscuro y cerrado. Pero de cualquier manera se mantiene la excelencia tradicional de la marca, a base de transparencia, calidez y definición.

Fantástico sonido, prístino, y rico en la paleta de color y expresión, también en un CD dedicado a los conciertos para fagot de Vivaldi (CO-78921). El sistema "one-point recording" permite captar la sonoridad global de la orquesta, tal como la escucharíamos en un concierto en vivo, pero el principal inconveniente de este procedimiento es que los solistas, el fagot en este caso, pierden mucho foco en la escena, pero además, debido a la desfavorable relación entre sonido directo y reflejado, muchos detalles finos se pierden y hasta el discurso en ocasiones resulta confuso. Por contra, la sensación de espacio es grandiosa.

También excelente es el fonograma que plasma los conciertos para violonchelo de Haydn y Boccherini, en la interpretación de Mari Fujiwara (COCO-70844). Un auténtico placer para los oídos, con una sonoridad espléndida (realmente me estoy quedando sin adjetivos). El instrumento de Fujiwara se define expresivo, tierno. Se antepone en un plano distinto al de la orquesta, la sensación es palpable.

También fantástica la toma que ofrece un CD con música de Gustav Mahler, concretamente con su célebre 4ª sinfonía (C37-7952). La plasmación de la voz de la solista, Helen Donath, me parece poco menos que perfecta. Por lo demás, la dinámica es completa, el ambiente y la atmósfera vívidos, y la definición muy buena.

Finalmente derivo al jazz para encontrarme con el grupo vocal "The Ritz" (33CY-1839). Para la grabación en estudio se ha recurrido a un sistema simplificado y purista a través de sólo dos pistas estéreo, es decir, no se ejecutan nuevas mezclas posteriores para elaborar el master con el fin de no introducir más procesado que pudiese incrementar la distorsión. El efecto que se obtiene es sorprendente por la sensación de presencia sobre todo de los vocalistas, cuyas voces son recogidas de manera limpia y delicada, y distribuídas a lo ancho de la imagen estéreo, creando así un atractivo juego espacial. Nueva golosina para nuestros oídos en la mejor línea Denon.

¿Es DENON un sello de carácter audiófilo? Las conclusiones de este análisis son claras.

DMP



Al igual que Denon, la compañía americana Digital Music Productions (o DMP Records) fue una de las primeras discográficas que creyeron que el sonido digital sería el futuro, y de hecho no encontramos nada de DMP editado en vinilo, o en otro formato que no sea completamente digital. Fundado por el ingeniero de sonido Tom Jung, tras abandonar los estudios Sound 80 en Minneapolis (uno de los primeros en realizar grabaciones digitales con una máquina de 3M), DMP lanzó sus primeros CD en 1983 con los músicos Warren Bernhardt, Jay Leonhart, y el grupo Flim & the BB's. Éstos en concreto fueron los primeros Compact Disc de la historia editados con música de jazz. DMP fue una de las pocas discográficas que se atrevieron a publicar música pregrabada en DAT, y también fueron pioneros en la introducción de los nuevos discos SACD: a finales de los 90, el primer SACD puesto a la venta al público fue "Alto", un trabajo de Joe Beck y Ali Ryerson; el álbum aparece listado en Amazon por primera vez el 21 de octubre de 1997. Otros importantes artistas que colaboraron con la marca fueron Chuck Loeb, Joe Morello y Thom Rotella.

El sitio web de DMP, donde podríamos alimentar nuestra curiosidad, dejó de funcionar hace tiempo. En cambio, sí que contamos con interesantes testimonios de su fundador, Tom Jung, en una entrevista publicada hace unos años en Stereophile. Reproduzco aquí parcialmente esta entrevista.

Lander: ¿Cuándo comenzó a distinguir que en el proceso PCM había problemas que llegaban a molestar?

Jung: Desde el principio he oído esos problemas, pero para mí eran pequeños en relación con los defectos de lo analógico.

Lander: En los primeros años de DMP utilizó una grabadora digital Mitsubishi X-80. ¿Por qué esa máquina en particular?

Jung: Porque era la única que había sido diseñada por un ingeniero japonés que era considerado un audiófilo, que conocía la electrónica de componentes discretos y en clase A, y aplicó estos conocimientos en el X-80. También era consciente de que había problemas inherentes en el formato PCM, por lo que usó la corrección de errores de fase en el proceso de grabado. En gran medida fue todo un éxito. Nos encantaba grabar y reproducir en el estudio, y a los músicos siempre les gustó la forma en que sonaba el X-80. Pero tenía la espantosa frecuencia de muestreo de 50,4kHz. Cuando llegábamos a la etapa de masterización y teníamos que convertir esos 50,4kHz a 44,1 en el dominio digital, el algoritmo derivaba en pérdidas significativas.

Dos SACD de nuestro catálogo, 'Tricycle' de Flim & the BB's, y 'Salamander Pie' de Jay Leonhart, se pasaron directamente desde los masters de la grabadora Mitsubishi. Cuando intentamos sacar la versión SACD y no pudimos pasar directamente de 50.4kHz en PCM a DSD de 1 bit en el dominio digital, me acordé de que la máquina había sonado siempre bien. Así que he usado la misma máquina y las cintas maestras originales, donde había incluso empalmes de cinta.

Lander: Empalmes?

Jung: Sí, en las cintas de la X-80 había empalmes. Teníamos que usar guantes blancos para que la grasa de los dedos no contaminaran la cinta y causaran dropouts. Saqué la señal por la salida XLR y la llevé a un convertidor A/D de Meitner para transformar a DSD. Si tomamos los SACD resultantes y los ponemos en un reproductor muy bueno para comparar con los masters originales, la mayoría de la gente no podrá oír la diferencia. Esa es una de las cosas buenas del SACD. Es una solución realmente válida para las compañías discográficas, que vuelven a sus cintas originales analógicas, que fueron asesinadas por el formato CD, para remasterizarlas en SACD.

Lander: Usted escuchó por primera vez el formato DSD muy pronto, durante una visita al estudio de Sony Music en Nueva York junto a tres importantes ingenieros de sonido: Bob Ludwig, Bruce Swedien, y Michael Bishop de Telarc. Háblenos de ello.

Jung: Tenían un cuarteto de jazz en el estudio, y David Smith, un gurú técnico de Sony, había construido un interruptor pasivo de cuatro vías que nos permitía comparar entre la salida en vivo de la mesa de mezclas convencional a 16 bits, una mejor a 20 bits, y finalmente una a DSD. El DSD estaba mucho más cerca de la señal en vivo que cualquier convertidor de PCM, y era obvio que se trataba de una dirección que yo tenía que seguir.

Lander: ¿Siente que el DSD resuelve los problemas inherentes del PCM?

Jung: Así es. Me estoy encontrando después de tantos años que, cuando escucho un SACD, sobre todo las cosas que he grabado yo mismo, donde antes probablemente sólo escuchaba desde una perspectiva de calidad, y en realidad no era capaz de entrar lo suficiente en la música, ahora ya escucho todo el asunto. Es algo que te atrae, al igual que lo analógico, pero sin los problemas de lo analógico. Así que en realidad nunca me gustó la forma en que sonaba el PCM, hasta el punto de que incluso algunos consideramos tratar de grabar de forma analógica de nuevo, pero me paré los pies antes de intentarlo. [Risas]

Conforme pasó el tiempo, yo sentí que había algo en esta teoría del PCM que era muy estresante. No lo pudimos cuantificar o incluso traducirlo verbalmente, pero entonces creí que había algo que hacer. En los días previos a la era digital, la gente con que trabajaba en Sound 80 celebraban grandes reuniones con audiciones colectivas. Queríamos traer a casa los monitores de los grandes estudios y sus enormes amplificadores, y tocar música muy alto. Ese tipo de cosas desaparecieron cuando salió el CD, porque este formato no era tan divertido de escuchar.

Lander: Usted ha dicho que le molestan los artefactos del PCM en la música de Big Bands, que es algo que ha escuchado en vivo y disfrutado desde que era niño. ¿Puede ser más explícito?

Jung: Hay sonoridades de metales que son armónicamente muy complejas, y en PCM digital no pueden reproducirse. El instrumento que probablemente sea el mejor ejemplo es la trompeta con sordina, que tiene una gran cantidad de energía más allá de 20 kHz. Con PCM estándar, el filtro de muro de aproximadamente 20 kHz produce tal cambio de fase que se manifiesta hacia abajo entre 2 y 3 kHz, donde el oído es muy sensible. En esencia, lo que pasa es que los armónicos dañados cambian todo el sonido en general hasta el punto de resultar feo. Puede ser casi doloroso. No sólo se corrompe durante la reproducción. Es durante todo el proceso: grabación y reproducción.

Lander: Usted ha tendido tradicionalmente a sustituir equipos profesionales para usar en su lugar equipos de consumo. ¿Ha persistido esa práctica?

Jung: Siempre he sido un crítico de lo que se usa en el mundo profesional. Puede ser muy frustrante saber que lo que algunos aficionados utilizan para la reproducción en casa tiene un mayor nivel de precisión que el que tenemos en el lado de la producción. Eso es algo que siempre he observado en la comunidad del audio de gama alta. Las áreas más obvias son los altavoces y los amplificadores.

Lander: Usted ha utilizado los altavoces de Duntech y Thiel, junto con amplificadores de Pass y Krell en clase A. ¿Ha trabajado también con el convertidor A/D de Wadia?

Jung: Eso fue cuando empecé a usar más de un convertidor. Adopté ocho canales distintos de conversión para abordar cada proyecto, y convertía a digital en la misma salida de cada micrófono, y en tiempo real. Cuando miro hacia atrás, aprecio que había algunas ventajas, pero tal vez esas ventajas no justificaban los medios.

Lander: Usted ha dicho que desde el primer Big Bang (es decir, el día en que el equipo de 3M se presentó en su estudio de Minneapolis con su grabadora digital de cinta) cada nueva mejora en formato digital, antes de la irrupción del DSD, era meramente incremental.

Jung: El DSD fue una gran mejora sobre las distintas etapas del PCM. Me apasioné después de que David Kawakami, de Sony, me entregara una de esas máquinas para que yo pudiera desarrollar un proyecto con ella. Hice dos o tres registros, y mientras yo trabajaba con esto comencé a pensar 'bueno, para mí este piano no suena del todo bien'. Así que un día, cuando me sentía realmente frustrado con el asunto, miré en el interior de la máquina, ¿y sabes qué? Tenía amplificadores NE5534 por dentro. Eso es un amplificador que mide muy bien pero que suena como una mierda, esa es la mejor palabra que se me ocurre para describirlo. Montones de equipos de audio profesional tienen estas cosas horribles por dentro. Los puedes comprar a 17 centavos de dólar cada uno, por lo que a muchos técnicos les encantan. Se difuminan las cosas, simplemente no se puede seguir la forma de la onda. Un acorde del piano en la gama media o alta puede dañar tu oído.

Lander: ¿Cómo afrontó esa situación?

Jung: Fui a ver a Ed Meitner. Por entonces, existía una empresa llamada Museatex, y yo estaba usando su Bi-DAT, un convertidor D/A. Me gustaba la forma en que estaba diseñado. Poseía un magnífico manejo tanto de la parte analógica como de la digital, por lo que era único en su especie. Obtuve permiso de Sony para enviarle uno de sus grabadores de DSD. Miró los circuitos analógicos y dijo: 'Oh, podemos hacer algo mucho mejor que eso'. Construyó un convertidor D/A dentro de una caja metálica y me lo envió a mí, y las grabaciones sonaban mucho mejor a través de él. Le dije: 'Vale, todo muy bien. Pero ahora tenemos que elaborar la parte de A/D para poder conseguir mejores grabaciones'. Él dijo: 'Eso no es problema'. Lo hizo durante la noche, después de trabajar todo el día. Así que usé su convertidor A/D, y allí de nuevo todo se abrió y se escuchó mucho mejor. Se hizo evidente que estos convertidores de Meitner sonaban mejor que cualquier otra cosa, por lo que Sony comenzó a comprar maquinaria de su compañía, conocida como EMM Labs.

Lander: De cara al futuro en la industria musical, donde se incluye la descarga de archivos, ¿en qué lugar encaja el SACD dentro de todo este rompecabezas?

Jung: La mayoría de la gente percibe que el CD está bien. Inventaron el MP3 y piensan que está bien. De manera que el nivel es bastante bajo para el consumidor medio. Pero creo que el disco híbrido tiene mucho sentido. Me inclino a pensar que, en algún momento, la gente va a darse cuenta de que hay una calidad superior a su disposición. Algunos comprarán un SACD porque pueden escucharlo en su coche y en casa. Si además tienen un sistema de cine doméstico, lo podrán escuchar con sonido envolvente. Si deseas un gran sistema de sonido, te podrás dar cuenta de su gran calidad y de su gran valor como medio de entretenimiento.

Revelador ¿verdad? El resto de la entrevista, aquí:

http://www.stereophile.com/interviews/604jung/index.html

Paso a la escucha de algunos de sus productos.

Uno de los discos más populares de Flim & The BB's, "TriCycle" (CD-443), fue grabado en 1982 sirviéndose del magnetófono digital Mitsubishi X-80 de dos pistas con una frecuencia de muestreo de 50,4kHz, del que habla Jung en la entrevista anterior. La limitada tecnología digital de aquellos tiempos se revela especialmente en los registros más agudos, que hace que los platillos suenen un poco falsos, pero por lo demás el tono general es muy bueno. El rango dinámico es enorme y se percibe desde la primera pista, cuando se presenta la batería por primera vez y nos sorprende por su impacto. La transferencia a DSD, para su publicación en SACD, fue realizada 16 años más tarde usando el master y la máquina originales, conectando directamente a un convertidor de EMM Labs y recogiéndose la señal convertida a través de una grabadora de DSD de Sony, sin pasar por ningún proceso durante la transferencia. Este SACD en concreto alcanza precios astronómicos en internet.

Magnífico en todos los sentidos el CD de The Dolphins titulado "Malayan Breeze" (CD-474). Los niveles de claridad y limpieza son de lo mejor que he escuchado en Red Book, y todos los instrumentos despliegan ante nosotros un verdadero universo de detalles. Batería y bajo, verdaderos hilos conductores del álbum, exponen su discurso con soberbia transparencia y lucidez. Me atrevería a asegurar que este disco suena mejor que la mayoría de SACD que he escuchado dentro de su estilo, y con eso lo resumo todo.

En ese mismo estilo se presenta el CD de Thom Rotella "Thom Rotella Band" (CD-460). La limpieza del sonido es increíble, y se aprecia bien en la gran apertura y perfil cristalino de los tonos más agudos. En la zona opuesta, los graves resultan potentes, de gran pegada, y superior a lo que habitualmente encontramos en cualquier disco. Como resultado de todo ello, el realismo del conjunto de la batería es de puro shock. No obstante, observo un cierto empaste, una dinámica algo homogénea y lineal, casi de carácter comercial, que mata en cierto grado la sensación de una interpretación en directo. La recreación espacial también resulta un tanto artificial, y no tiene apenas profundidad, es el típico panning estéreo de un estudio de sonido con una acústica muerta.

Maravilloso el piano de Warren Bernhardt en el título "Heat Of The Moment" (CD-468): el nivel artístico es una joya, y el trabajo técnico de DMP es sobresaliente. Los tonos graves dan miedo, por su profunda sonoridad, cuando la mano de Bernhardt se desplaza hacia el extremo izquierdo del teclado. La claridad de su instrumento, en general, se traduce en una expresividad sin límite. El resto de la orquesta se plasma igualmente bien. Podemos seguir la línea del bajo sin problemas, y la batería, también aquí, despliega unos increíbles matices multicolor, en especial en sus platillos. En esta grabación la sensación de espacio está bastante mejorada, junto con una imagen estéreo más precisa.

¿Es DMP un sello de carácter audiófilo? Aquellos que han buscado un camino diferente para tratar de hallar el sonido absoluto, pueden haber dado con muchas respuestas. DMP nos demostró que el Compact Disc era un formato audiófilo, y lo hizo hace ahora muchos años... para demostrarnos más tarde que la mejor forma de ofrecer música en un formato digital no terminaba precisamente ahí.

SHEFFIELD LAB



http://www.sheffieldlab.com/

Al contrario que Denon y DMP, que hemos repasado un poco más arriba, ha habido discográficas que han basado su fama audiófila no en formatos digitales, sino en discos tradicionales de vinilo. Cuando Sony lanzó en Compact Disc el álbum "52nd Street" de Billy Joel para iniciar la revolución digital, no todo el mundo se mostró conforme. Douglas Sax, presidente de Sheffield Lab, puso en marcha entonces una activa campaña en contra del CD con el lema "Stop a la locura digital".

Vuelvo a la revista Stereophile para recomendar la lectura de una entrevista con este prestigioso músico, melómano e ingeniero, y que como puede comprobarse es todo lo contrario a la euforia digital de Tom Jung:

http://www.stereophile.com/interviews/sheffield_steel_doug_sax/

Doug fue un pionero en el establecimiento de procedimientos para la evaluación de amplificadores y de diseños de las fuentes de alimentación. Además, introdujo métodos de prueba para evaluar correctamente los efectos de componentes pasivos como resistencias, interruptores, relés, potenciómetros, condensadores, cables, bobinas y transformadores. Como ingeniero de sonido, Doug Sax trabajó con las grandes estrellas de la época: Pink Floyd, The Rolling Stones, Ray Charles, The Eagles, Sheryl Crow, Barbra Streisand, Bette Midler, Neil Diamond, Rod Stewart...

Sheffield Lab fue fundada por Doug Sax y Lincoln Mayorga, cuando ambos colaboraban como músicos. A pesar de sus reticencias iniciales, el sello entró en la era digital con unos discos compactos que, según la propia empresa, mantenían la misma integridad musical y técnica de sus vinilos, demostrando que una gran grabación está por encima del medio de almacenamiento elegido.

Abordo el material de Sheffield Lab con un CD de Pat Coil, "Schemes and Dreams" (SL10042). En principio, y como primera impresión, la tímbrica es correcta y el balance tonal adecuado, si bien los graves aparecen inflados. También adivino en los tonos más altos cierto aire digital. Por otro lado, el rango dinámico es escaso, como correspondería a una grabación de tipo comercial. Lo más interesante del disco es una recreación espacial interesante, que otorga a la escena una cierta profundidad, con una perceptible colocación en la imagen estereofónica que aspira a tres dimensiones. En definitiva, grabación de calidad superior a la media, pero sin llegar a nada especial.

Escuchamos seguidamente el álbum "The Sheffield Jazz Experience" (SL10046). Buen disco en todos los aspectos, pero sin destacar en lo sonoro. Predomina un buen equilibrio tonal, aunque los graves los encuentro fofos e hinchados. Por ejemplo, en la pieza "Things Change" los medios parecen afectados por un cierto velo de opacidad, y los agudos suenan un poco artificiales. La tan cacareada naturalidad de la que hace gala la compañía queda muy comprometida. Aquí la sensación de espacio también es lo más destacable: la batería, aparenta tocar desde el fondo, y el resto de músicos se distribuye en diferentes puntos.

Más de lo mismo en el disco de James Newton Howard "James Newton Howard & Friends" (SL10078). Nada excepcional, e incluso afirmaría que la zona aguda está demasiado potenciada, resultando de un tono agresivo. En general, el CD está bien, y poco más. Se nota el cuidado especial del ingeniero de sonido, pero sospecho que la señal está procesada en exceso. A otra cosa.

El panorama mejora de forma notable en el disco de Dave Grusin "Discovered Again! Plus" (LIM XR-002). Este disco, que era usado a veces en las demostraciones de equipos por su sorprendente sonido, está reeditado por FIM con magníficos resultados, usando el proceso XRCD24 patentado por JVC. Por cierto, en la remasterización estuvo presente Doug Sax, que fue también el responsable de la toma original. La sensación de onda sonora natural, analógica, es verosímil. Encontramos magníficos tonos medios que transmiten, y unos graves enérgicos y convincentes. Los agudos, finalmente, son aéreos, delicados, precisos, en ningún momento molestos. Pienso que no habría muchas diferencias si comparásemos con el vinilo original. El master, de 1976, resiste bien el paso del tiempo, está grabado de forma soberbia.

¿Es SHEFFIELD LAB un sello de carácter audiófilo? Como me ha ocurrido con los casos de Fonè y Stockfisch, no puedo evaluar los prestigiosos vinilos de la marca, simplemente porque no cuento con ellos. Pero a través de sus registros digitales se adivina una calidad superior a la media que puede darnos algunas pistas.

Aportación analógica al análisis de SACDófilo, y de muestra dos botones:

DISCOVERED AGAIN.- Cuenta con 5 músicos de envergadura, que cualquier aficionado medio al jazz reconocerá: Dave Grusin al piano,compositor y arreglador; Ron Carter al contrabajo, Lee Ritenour a la guitarra, Harvey Mason a la batería y Larry Bunker a la percusión y vibráfono. Añado estos datos porque además de la soberbia grabación del disco el contenido musical es más que interesante. El tema que abre la cara A, el standard de Thad Jones "A child is born", cuenta tan sólo con la participación de Carter al contrabajo y Bunker al vibráfono. Es una pura delicia, antológico y define lo que va a ser el resto del vinilo. Ambos instrumentos se sitúan entre las dos cajas, omnipresentes, dándose la réplica y no se escapa un solo detalle: la digitación de Carter, el arrastre de su mano izquierda en las cuerdas desde el clavijero hasta el puente, aportando toda la riqueza armónica de que es capaz la gran caja de resonancia de su instrumento. El vibráfono vivo, transparente, unas veces intenso, otras delicado en función de la melodía, percibiéndose perfectamente el suave golpe de las mazas en el aluminio de las teclas. Creo honestamente que puede encantar hasta a los que aborrezcan el jazz. Se utilizó mucho en su día en las tiendas, cuando se probaba un sistema analógico.

I'VE GOT THE MUSIC IN ME.- Thelma Houston & Pressure Cooker.- Se trata de una cantante negra a la que se podría encuadrar en el R & B o en el soul. Preciosa voz, llena de fuerza y matices, unas veces parece seda y otras un ciclón. Su texitura, haciendo extrapolación a la música clásica, de mezzo soprano.
Le acompañan en la grabación desde el propio Linconln Mayorga hasta el conocido vibrafonista de jazz Victor Feldman. En medio queda un numeroso grupo de músicos de estudio más que acreditados, culminando este proyecto con la colaboración de un coro de seis voces femeninas, claramente negras que ponen los pelos de punta.
Registro más comprometido que el anterior, ya que intervienen un número considerable de profesionales que se encargan de las maderas y metales, además de la base rítmica integrada por dos guitarras, un bajo, dos baterías y dos percusionistas. Estamos hablando de unas 24 personas.
Temas como el que da título al LP, o la versión que hacen de "Got to get you into my life" (Beatles) plenos de fuerza, de ritmo y energía, y en los que intervienen todos los músicos son resueltos con solvencia, estratificándose perfectamente en el espacio y detrás de las cajas cada una de las secciones que toca, incluído el coro femenino, que se posiciona a la altura adecuada, inmediatamente detrás de la solista Thelma.
Los metales y maderas con la tímbrica adecuada, sin excesos; brillantes cuando es necesario, matizados y sutiles en otros pasajes. Todo pleno de dinámica pero sin exageraciones.
No hay velo y diría que no se puede pedir mayor transparecencia e inmediatez. La ilusión de directo es total.
Un último dato: la grabación es del año 1975.

Gracias, Likike, por la aportación. El sonido del CD de Grusin es pasmoso, en un buen sistema analógico tiene que resultar magnífico. Veo que a tí el disco también te encanta tanto como a mí, pero la verdad es que no lo he escuchado con suficiente atención y por eso no había entrado en la valoración artística.

PENTATONE



http://www.pentatonemusic.com/

Si hay una discográfica que ha creído en el futuro del SACD y de sus posibilidades técnicas, ésa es Pentatone. No podía ser de otra forma, porque este formato de alta definición fue desarrollado por Philips, y mucha gente de esta multinacional holandesa pasó a formar parte del equipo de Pentatone y de su división técnica, Polyhymnia. Los fundadores de la empresa creyeron que el sonido de 5 canales (de ahí la raiz de su nombre, "penta") gradualmente reemplazaría al estéreo doméstico de toda la vida, ya que, en su opinión, el efecto surround añade un elemento dimensional nuevo en la experiencia musical.

Todas las grabaciones de Pentatone son realizadas por Polyhymnia, quizás el más selecto grupo de ingenieros de sonido de los que existen a nivel internacional. Polyhymnia también ha realizado trabajos para otras discográficas, con resultados igualmente insuperables.

http://www.polyhymnia.nl/

Analizaré en primer lugar los SACD RQR, que son remasterizaciones de antiguos masters analógicos en cuatro canales. Luego pasaré a los SACD en puro DSD, más recientes.

De histórico podríamos calificar el registro de siete conciertos de Vivaldi, con el violín de Salvatore Accardo (5186 130, RQR). El sonido es espacioso, la orquesta aparece bien distribuida en la imagen estéreo. Sin embargo, noto un pequeña descompensación en el equilibrio tonal, pero esto creo que hay que atribuírlo a la vieja cinta original, grabada en 1975. El trabajo de masterización es de primera: el registro es de un carácter cálido, sin el menor asomo de algún artefacto digital. El violín de Accardo se muestra vivaz pero de timbre agradable, muy natural. Este buen balance también podríamos atribuirlo a la buena acústica donde se realizó la grabación, el Teatro de Música de La Chaux de Fonds, en Suiza.

Pentatone también presta su atención a las sinfonías de juventud de Mozart (5185 138, RQR). Otro producto de categoría, a pesar de que la cinta original data de 1973. La habilidad de Pentatone para capturar la esencia de estos viejos registros es única, y los SACD producidos no tienen más defectos que los que puedan encontrarse en los originales, que tampoco es el caso, porque éstos son de origen Philips, que como sabemos los viejos melómanos son excelentes. Saboreando este álbum, me encuentro tan a gusto como en aquellos días que disfrutaba de mi veterana pletina Nakamichi.

Los valses de Strauss tienen su lugar en la discografía del sello (5186 052, DSD). La primera impresión que recibo es la de gran apertura espacial que se me abre por delante, ancha y profunda, e incluso parece tener altura. Por lo demás, todos los parámetros rozan la perfección: transparencia, definición, equilibrio tonal, tímbrica, dinámica subjetiva... ¿me queda algo por decir? supongo que estos comentarios que aparecen en la web de Pentatone pueden aportar un poco más:

"Künstlerische Qualität: 10; Klangqualität: 10; Gesamteindruck: 10" (Klassik-heute.com).

“I cannot recommend this disc too highly. It is simply smashing” (J. Scott Morrison, Amazon.com).

“Everything from the lilting second beat to the lush sonorities and melting strings is in apple pie order.  Wilfried Scharf's zither is a match for that of Anton Karas, the latter of whom played for Carol Reed's film The Third Man. The warmth of the oboe and the surrounding strings for the opening of Artists' Life proves potently effective, as are the ensuing, tripping figures in strings and winds. Wonderful sonic separation of the antiphons in the development section of this marvellous waltz" (Gary Lemco, audiophile audition).

“CD-Tipp” (AttilaCsampai Bayern 4 Klassik).

“Artistic quality: 10; Soundquality: 10; Total impression: 10” (Clemens Höslinger, Klassik-Heute.de).

“Kreizbergs readings are spacious, precise, elegant, warm, and regal. His musicians play with wonderful tone and technique; I have never heard this orchestra sound so thoroughly world-class. Moreover, these are the best-recorded versions available. The sound is rich and full yet totally transparent. One can hear a myriad of detail in every passage. The surround channels are perfectly balanced to the front and create a palpable sense of space” (Rad Bennet, Soundstage.com).

Especial para mí es el SACD titulado "Highlights from Russian Operas" (5186 089, DSD). Por una vez, no accedemos al mundo musical ex-soviético con esos discos que sonaban horribles, bajo el logo de Melodiya y otros peligros para la salud de nuestros oídos. La peculiar acústica del mayor escenario de ópera de la vieja Rusia, el Teatro Bolshoi, es plasmada aquí de manera magistral por el equipo de Polyhymnia, como no podía ser de otra manera. La sala de conciertos, que se nos antoja enorme, presenta una acústica seca que puede resultar extraña en un principio, pero pasados unos momentos el oído se acostumbra. El sonido es simplemente excelente, muy transparente, con un montón de detalles en la captura. Coro y orquesta nos llegan plenos, espléndidos, balanceándose entre la delicadeza de la cuerda y la contundencia de los fortes. El momento en que se presentan las famosas Danzas Polovtsianas aporta una buena referencia para comprender la calidad del disco, que está desbordado de emoción y fuerza.

Nos citamos con Haydn en un SACD que presenta un programa muy interesante, donde figura su sinfonía nº 100 y otras piezas (5186 300, DSD). Un buen disco es aquel del que uno se olvida para deleitarse en la música sin más, y es el caso de este fantástico SACD. Mi admirada Netherlands Chamber Orchestra ha realizado aquí un trabajo digno de figurar en los anales de la música grabada, y merece un sobresaliente "cum laude" tanto en la parte artística como en la técnica (y con estos halagos creo que se advierte mi fanatismo por Pentatone). En esta joya de SACD híbrido, Gordan Nikolic ajusta con precisión casi matemática un equilibrio perfecto entre solistas y orquesta en esta suerte de juego musical de Haydn que es su sinfonía concertante. El sonido, como siempre, excelente, y la separación de los cuatro solistas con respecto al resto de la formación, junto con el espacio que les separa, es bien palpable. Imagino (y he leído testimonios que así lo sugieren) que en la versión multicanal el efecto de un plus de espacialidad debe ser impresionante. La sutileza de los timbres es grandiosa, y los armónicos estridentes del metal son una prueba contundente de hasta dónde llega la respuesta en frecuencia. Por otro lado, gracias al enorme rango dinámico, especialmente en la sinfonía "Militar", es de impacto la entrada en acción del bombo... me trae a la memoria la vieja grabación de Decca con la Philharmonia Hungarica bajo la dirección de Antal Dorati y, sinceramente, no sé cual elegiría por su garra y expresividad.

¿Es PENTATONE un sello de carácter audiófilo? Para mí, la marca es simplemente sinónimo del viejo sueño del perfecto sonido envolvente, con máxima calidad, que todos los aficionados han buscado desde hace décadas. Dicho de otro modo: por sus obras les reconoceréis.

Enhorabuena por el hilo y muchas gracias por el trabajón, SACDófilo. No suelo escuchar el tipo de música que editan estos sellos, pero en cualquier caso he disfrutado leyéndolo, muy interesante.

Yo también agradezco vuestros comentarios, no quiero sentirme solo haciendo de profeta en el desierto. Sólo son impresiones que quiero compartir con vosotros, y por eso el hilo no quiero que se tome como un dogma, en algunas opiniones puedo estar equivocado, es normal. Al mismo tiempo, yo estoy aprendiendo bastante cuando busco referencias en otras fuentes, y así progresivamente voy ordenando mis ideas, que aunque puedan ser muchas también tienen un grado de caos.

Te estaremos agradecidos siempre, ya ha caido alguna referencia que otra. Un abrazo.

Abrazo devuelto.

ALIA VOX



http://www.alia-vox.com/

La compañía fundada por (y para) Jordi Savall en 1999 es de las pocas españolas que creen todavía en el formato SACD. De hecho, cuando en las estanterías de las tiendas buscamos algo de Savall es casi seguro que daremos con algún híbrido.

Si os interesa la marca, la mejor manera de informarse es a través de su propia web, que está apuntada arriba, pero también he encontrado una pequeña entrevista con Savall que da algunas ideas de su forma de entender la música:

http://www.docenotas.com/noticia/1212/entrevistas/jordi-savall-10-a%C3%B1os-sello-aliavox.html

Vamos con sus discos.

Curiosa la colección de piezas inéditas en "El Nuevo Mundo, Folias Criollas" (AVSA 9876). Aburre, pero a causa de su suprema perfección técnica. Alia Vox parece haber encontrado la fórmula mágica para traernos a casa la música en vivo, tal como fue grabada. La precisión tonal y tímbrica es absoluta, con una transparencia y una definición sobresalientes. Las dimensiones virtuales son correctas, junto con una viva plasmación del espacio e incluso... del aire. A pesar de tratarse de una compilación realizada en una serie de sesiones diferentes, en lugares diferentes y en circunstancias distintas, la impresión es en todos los casos de enorme naturalidad.

Más de Savall, con piezas de Rameau, en el doble SACD titulado "La orquesta de Luis XV" (AVSA 9882). El trabajo de Manuel Mohino es de primera magnitud, rozando la perfección, al menos a nivel tonal y tímbrico, pues como grabación en sí es todo un placer su audición. Tal vez en las partes de mayor sonoridad exista una pequeña compresión en dinámica, nada importante. En cuanto a la información espacial, para mí tiene una valoración alta, con una ambiancia muy natural y un escenario bien balanceado. Todo esto, en combinación con el gran nivel artístico de Savall, hace del producto un objeto de deseo imprescindible.

Aún mejor es una colección de piezas para viola de Marin Marais (AVSA 9831). Sonido sutil, detallado, que permite la recreación en la bella tímbrica de los instrumentos presentados. En la carpetilla aparece el logo de "DSD", y este hecho casi siempre para mí se traduce en suavidad, en carácter analógico y relajado, como de hecho se siente este magnífico SACD doble. El exceso, en este caso con abundancia de material presentado, es típico de la marca. Excelente.

Seguimos con "The Forgotten Kingdom" (AVSA 9873, 3 SACD). Lo que llama más la atención es la calidad y el tamaño de la caja. Una carpetilla nada menos que con 563 páginas y en cuatro idiomas, y con una primorosa encuadernación. Y si los CD de Savall suenan muy bien, hay que escuchar sus trabajos en SACD para darse cuenta que nos movemos al máximo nivel posible, comparables a los productos de las más prestigiosas marcas. Hablar de defectos, o de las características sónicas de los diferentes discos, sería absurdo: no hay medio de encontrar alguna pega. Yo soy incapaz.

¿Es ALIA VOX un sello de carácter audiófilo? Junto con la otra gran marca española, Glossa, la compañía presenta magníficos trabajos de recreación histórica, con el plus de un sonido de alta calidad que sí podemos calificar propio de audiófilos.

CHANDOS



http://www.chandos.net/

Chandos es una de esa compañías que siempre han ofrecido una muy buena calidad de audio, con un repertorio muy particular: composiciones y compositores son en su mayoría poco populares, porque entre cosas se presta gran atención a la música inglesa. El sello fue pionero en la publicación de grandes series, muy valoradas, con obras de Prokofiev, Tchaikovsky, y otros músicos menores.

Los elogios que recibe Chandos, tanto de la crítica como de los usuarios, es casi siempre de 5 estrellas. Esto es fácil de comprobarlo en cualquier revista o web especializada. Teniendo todo esto en cuenta, pasemos al análisis.

Comienzo con una grabación en CD enteramente digital, con música de los tiempos de Federico el Grande (CHAN 0541). Transparente, sobre todo, y soporte ideal para los delicados matices de los pocos instrumentos que se reúnen en las diferentes pistas. El tono se desplaza ligeramente hacia la zona aguda, hecho que no impide una escucha relajada. Una formación tan reducida no debe tener problemas de focalización en la escena, y de hecho cada uno de los músicos tienen un emplazamiento claro en el espacio. Buen disco, en definitiva.

También notable la interpretación de Carmina Burana, en la batuta de Richard Hickox y la London Symphony Orchestra (CHSA 5067, SACD). El tono se me antoja un poco nasal, pero en general se encuentra bien balanceado. Hay que tener en cuenta que la grabación está realizada en vivo, con la dificultad técnica añadida que conlleva tener que ajustar el equipamiento técnico a un espacio lleno de público (de forma asombrosa, en esta grabación no hay el menor ruido por toses o ruidos parásitos inducidos). La obra se presta a una exhibición fenomenal de dinámica, y el disco realmente responde con realismo al requerimiento de potencia (con las obvias limitaciones de mis electrónicas), mientras que las partes tranquilas se representan con calma y relajación. Por otro lado, la recreación espacial es buena, distinguiéndose con claridad las diferentes secciones del coro. Remarcable del mismo modo la profundidad de la escena virtual. Una grabación que se puede recomendar a cualquier audiófilo.

Encontramos un disco dedicado a Vaughan Williams, de nuevo en la batuta de Hickox (CHSA 5016, SACD). Chandos tiene el buen tino de poner sus micrófonos en el sitio perfecto para poder capturar tanto la acústica de la sala como el tono individual de cada uno los instrumentos de la formación. Este SACD es otro ejemplo de grabación perfectamente natural, creíble, con aire, y dejándonos esa maravillosa sensación de estar escuchando en casa una buena orquesta sinfónica.

Elgar no puede faltar en este repaso a una discográfica inglesa, con una exquisita colección de miniaturas (CHAN 8371). Encuentro una reverberación algo exagerada, lo que puede inducir a imaginar una gran espacialidad, pero el efecto en definitiva no perjudica al placer en la audición. De hecho, la grabación suena a gloria bendita. Se trata de una vieja cinta de 1976 que se ha remezclado y remasterizado en digital una década después, pero en absoluto tengo la sensación de estar plantado frente a un producto caduco. Quizás, observo en el equilibrio tonal unos graves algo enfatizados, pero nada importante.

Sabrosa colección de sinfonías de Stamitz en la lectura de la London Mozart Players (CHAN 9358). Es otro CD en la mejor línea de la marca. Hay buena mano y un cuidado por el detalle que se respira en cada toma. La grabación es inmejorable en cualquier sentido. Grandiosa transparencia y definición. Sonido balanceado en tono, y riqueza en los sutiles timbres, todo servido con un envoltorio suave y cálido. Dinámica realista. Espacio recreado de forma plena, que revela la acústica de una sala especialmente viva. En resumen, una buena aproximación al hecho musical.

¿Es CHANDOS un sello de carácter audiófilo? Yo puedo afirmar que sí merece ser llamado así. Además, mucha gente que ha escuchado discos de esta marca estará plenamente de acuerdo conmigo.

Sin palabras increíble trabajo. enhorabuena.
un saludo.