SELLOS AUDIÓFILOS, ¿REALIDAD O QUIMERA?

Hasta donde llegan mis conocimientos, que son poco más que mis oídos y mi equipo de audio, el problema actual está en los estudios de grabación, que logran unas grabaciones más sintéticas que los tripis. La música grabada antes de la era digital sonaba mucho más natural. Otra cosa sería hablar de las ediciones en vinilo de esos años (asunto del que ya he hablado algo en otros topics). A día de hoy desconfío de los grandes sellos y sus cacareadas remasterizaciones que sólo consisten en "subir el volumen" de la grabación original. Respecto a las reediciones en 12", casi tanto de lo mismo. Hay pequeños sellos underground en los que he conseguido grabaciones que sorprenden por su calidad, aún siendo digitales en origen pasadas a vinilo.

Un ejemplo, para los que gusten de bandas metaleras underground www.thronerecords.net

Kreator escribió:Hasta donde llegan mis conocimientos, que son poco más que mis oídos y mi equipo de audio, el problema actual está en los estudios de grabación, que logran unas grabaciones más sintéticas que los tripis. La música grabada antes de la era digital sonaba mucho más natural. Otra cosa sería hablar de las ediciones en vinilo de esos años (asunto del que ya he hablado algo en otros topics). A día de hoy desconfío de los grandes sellos y sus cacareadas remasterizaciones que sólo consisten en "subir el volumen" de la grabación original. Respecto a las reediciones en 12", casi tanto de lo mismo. Hay pequeños sellos underground en los que he conseguido grabaciones que sorprenden por su calidad, aún siendo digitales en origen pasadas a vinilo.

Un ejemplo, para los que gusten de bandas metaleras underground www.thronerecords.net

Es que tienes lo fundamental, tus oídos y tu equipo. Y entiendo que vienes a decir que resulta absurdo comprarse un vinilo de ahora, cuando el master original es digital. Evidentemente es la vida al revés.
Y comparto tu opinión: la naturalidad con que acepta el oído y el cerebro el sonido analógico, con todos sus defectos.
Y respecto a todo el material que fabrican ahora, desde la cajas hasta el previo, pasando por la etapa, todo está orientado al sonido digital.

likike escribió:
Y respecto a todo el material que fabrican ahora, desde la cajas hasta el previo, pasando por la etapa, todo está orientado al sonido digital.

... lo digital lo abarca todo, por suerte o por desgracia. Prefiero pensar que por suerte: unas buenas valvulitas disimulan mucho la huella electrónica de un CD de calidad media, y hasta escucho por ahí que cierto tipo de condensadores cancelan las altas frecuencias que perjudican el sonido. No os perdáis lo que dice la compañía noruega 2L sobre los distintos formatos digitales de alta definición que, como podemos comprobar casi diariamente, en este foro (y en otros muchos) se ponen en tela de juicio. Espero que hoy mismo pueda terminar mis conclusiones.

Amigo SACDófilo, es que esas buenas valvulitas ya se utilizaban en el analógico, en los AMPEX originales y demás. Por no hablar des los micrófonos Neumann, Shure y AKG de válvulas y otros que sé que ya conoces.Todo lo demás son operaciones de cosmética, artificiales, que no tienen nada que ver con el original.
No obstante, sigo con el máximo interés tus profundos trabajos sobre las diferentes empresas editoras de discos, dejándolas al desnudo.

Saludos y adelante

SACDófilo escribió:

likike escribió:
Y respecto a todo el material que fabrican ahora, desde la cajas hasta el previo, pasando por la etapa, todo está orientado al sonido digital.

... lo digital lo abarca todo, por suerte o por desgracia. Prefiero pensar que por suerte: unas buenas valvulitas disimulan mucho la huella electrónica de un CD de calidad media, y hasta escucho por ahí que cierto tipo de condensadores cancelan las altas frecuencias que perjudican el sonido. No os perdáis lo que dice la compañía noruega 2L sobre los distintos formatos digitales de alta definición que, como podemos comprobar casi diariamente, en este foro (y en otros muchos) se ponen en tela de juicio. Espero que hoy mismo pueda terminar mis conclusiones.

El sello 2L graba con una magnífica calidad, ademas de interpretaciones realmente buenas como en el disco de Divertimenti, imagino que los formatos digitales de alta definición sonaran muy bién, igual o mejor, yo diría que mejor, que un CD. Problema: la mayoría de los usuarios, por tema de presupuesto, se realiza la lectura desde ordenadores que no están hechos para audio, sino para tratamiento de datos, pero con un sistema fabricado y dedicado para audio puede que la cosa cambiase. Aún así a mi me gusta el contacto con el LP o el CD, leerme la carpetilla, el trabajo de la foto, y me gusta hacerlo en mi sofa frente al equipo de música, y después de pasarme durante el día 10 horas pegado a unas pantallas de ordenador, pues no quiero. Pero pienso, tal vez me equivoque, que un ordenador fabricado para y con dedicación al audio sonará mejor que la mayoría de los transportes, y si me equivoco ya me lo diréis. Un saludo.

Si es que nadie trata de convencer a nadie de nada, es el oído de cada uno. Y entiendo que alguien que ha nacido oyendo CDs no le resulte fácil comprender el tema analógico. Pero forma parte de la historia, pese a quien pese. Es el origen. Y quien quiera oir a John Coltrane, por ejemplo, que murió en 1967 y que grabó sus últimos temas en sistema analógico, porque era lo que había, tendrá por güevos que someterse a la norma.
Lo demás son remasterizaciones deformadas. Y la comparación es sencilla: Oir el original y después la copia digital remasterizada. Que cada oído juzgue.

Estoy acostumbrado al sonido de mis monitores y, a pesar de su contenido tamaño, puedo detectar sin mucha dificultad si una grabación determinada peca de algún defecto en su equilibrio espectral. Pues bien, hoy he tenido que saltarme mis planteamientos puristas de no tocar la señal original, y he conectado los controles de tono que normalmente están en bypass, para poder analizar con comodidad el resto de características. Es una tendencia que comienza a preocuparme: parece que ya sólo somos los viejos rockeros los que pedimos que un disco suene con contundencia y con suficiente energía en la parte del grave, incluyendo la música clásica, por supuesto.

Hablo de esta interesante compañía noruega llamada 2L, que tiene el lema "The Nordic Sound".



http://www.2l.no/

Sus propuestas audiófilas son extremas. De hecho, 2L fue la primera compañía que se empeñó en la total masterización en DXD de altísima resolución, y la primera que lanzó al mercado material grabado con esta corriente brutal de bits y en DSD. Sus esfuerzos, no sólo técnicos, se han visto recompensados en los últimos cinco años con multitud de premios, entre ellos varios Grammies.

Pero ¿por qué me suenan tan flojitos sus graves? Al principio pensé en que usaban los micrófonos equivocados, y hasta su marca me sonó rara. Después he descubierto que DPA fabrica con licencia los más prestigiosos modelos de B&K (Brüel & Kjær), que han sido usados habitualmente desde hace mucho tiempo para grabaciones de alta calidad.

Así que... hoy toca acentuar un poco los graves, así como 1 dB por octava. Hecho esto, de ahora en adelante todo es perfecto, o poco menos, como podréis comprobar. Veamos qué dice la compañía noruega sobre sí misma, y sobre su fundador, Lindberg Lyd.

"Lindberg Lyd ha sido siempre un apasionado del SACD, y desde el año 2000 ha venido realizando una importante inversión en el nuevo formato a través de equipos de avanzada tecnología, como es el DXD. Su enfoque es un poco diferente del resto de la industria: no tiene miedo de usar los canales de sonido envolvente para aprovechar todo su potencial, dedicándolos a los instrumentos reales o partes de voz en vez de captar sólo el ambiente. La música así parece ser más atractiva y más participativa, poniendo al oyente en el centro de la música. Dependiendo del repertorio y del lugar de grabación, y siempre que sea posible, se evitarían los micrófonos cardioides que tienen estrechas características direccionales. En la grabación de los conciertos de Mozart para violín y orquesta (2L38 SACD) los miembros de la orquesta formaron un círculo, con los cinco micrófonos alrededor de un centro donde se coloca al oyente en la posición que ocuparía el director. La vivacidad está en el aire. El tono de los instrumentos es claramente natural. La grabación de gregoriano por el Consortium Vocale Oslo (2L43 SACD) también evoca una presencia realista, sin exageraciones. Ambos títulos usan el procesamiento en DXD. El resultado es una calidad de sonido que es un ejemplo de alta definición y textura fina y suave."

Así es, y lo he comprobado por mí mismo. La sensación al escuchar el primer disco comentado es de un sonido vivo, suave, refinado, completo y con cuerpo, si bien la espacialidad es algo bidimensional. El DXD funciona, y funciona muy bien. Otra cosa es que escuchemos sólo en estéreo, pero a falta de pan, ya se sabe.

En su completa web he encontrado de todo, desde esa información acerca del "sonido nórdico", hasta incluso descargas gratuitas en alta definición. No he tenido que dar muchas vueltas para encontrar una orientación, no. Aquí tenéis varias muestras que os darán una idea de lo bien que se lo montan estos noruegos:

http://www.2l.no/sampler2007/

Vamos por partes.

En "Krambupolka" he encontrado una escena de dimensiones más realistas, posiblemente debido al hecho de que la toma ha sido realizada en un sala de grandes dimensiones, y se han sabido ubicar los micrófonos de la manera adecuada, en un equilibrio justo de sonido directo y sonido reflejado. Percibo en general una enorme transparencia, que define muy bien el timbre de los instrumentos.

En el cuarteto "Arpa" de Beethoven, en cambio, he notado ciertas estridencias que no pueden ser atribuídas en absoluto a las cuerdas. Aquí la dinámica es convincente y ese perfil del sello, que se ha descrito al principio, persiste.

La versión al órgano del tema "Puente sobre aguas turbulentas", que no deja de ser curiosa, envía a mis cajas una tremenda energía sonora, unos impresionantes graves, plenos, viscerales, que recrean el verdadero sonido del instrumento. El equilibrio tonal es perfecto, y en definitiva la grabación es totalmente convincente.

Una última escucha me lleva a un aria de Vivaldi, perteneciente a la cantata RV 679. La textura de la voz es simplemente correcta, con los armónicos en su sitio. Tal vez con un ligero desplazamiento hacia la zona aguda, que hace la toma algo brilllante.

¿Es 2L un sello de carácter audiófilo? Sus principios y planteamientos son indudablemente audiófilos. Un solo pero: en muchas ocasiones falta algo de energía en la zona de los graves, pero vamos a tomarlo como una peculiaridad de la casa.

likike escribió:Si es que nadie trata de convencer a nadie de nada, es el oído de cada uno. Y entiendo que alguien que ha nacido oyendo CDs no le resulte fácil comprender el tema analógico. Pero forma parte de la historia, pese a quien pese. Es el origen. Y quien quiera oir a John Coltrane, por ejemplo, que murió en 1967 y que grabó sus últimos temas en sistema analógico, porque era lo que había, tendrá por güevos que someterse a la norma.
Lo demás son remasterizaciones deformadas. Y la comparación es sencilla: Oir el original y después la copia digital remasterizada. Que cada oído juzgue.

En eso tienes razón Kike, pero para los que perseguimos más el descubrir músicas que la simple escucha no nos queda más remedio que ir al digital. Lo único que realmente me he molestado en bajar de internet fue un fichero con cerca de 1900 conciertos grabados de las diferentes radios, calidad MP3 ( no sé que resolución ), lo que me llevó fue la cantidad de autores desconocidos que había y el poderles incar el diente poco a poco, y que son difíciles de encontrar en grabaciones ( en Spotify olvidate ). En fin, son distintos puntos de vista pero creo que compatibles entre sí. Pero no desvirtuemos este hilo con viejas batallas que no llevan a ninguna parte y nos quedan muchos sellos que comentar. ¿Cuándo le toca a Glosa, que es español? Solo con ver las presentaciones entran ganas de comprarlos todos, y Alia Vox ? Un saludo.

¡Se me ha pasado este fragmento, que es para mí de la máxima importancia! Habla sobre las diferencias entre los distintos formatos, no tiene desperdicio. Por favor, usad un traductor, porque ahora no tengo tiempo para pasarlo al castellano.

"At venue recording sessions our analogue to digital converters can do both the one-bit DSD and the multi-bit PCM formats. We can also listen directly to the analogue output from the microphones. Digital eXtreme Definition is a professional audio format that brings “analogue” qualities in 24 bit at 352.8 kHz sampling rate. DXD preserves 8.4672 Mbit/s (3 times the data of DSD) per channel. This leaves headroom for editing and balancing before quantizing to DSD for SACD or PCM for Blu-Ray.
All audio formats on The Nordic Sound are sample rate converted from the same DXD master. Comparing them in our studio we find only subtle differences from DXD down to 192kHz and 96kHz. The obvious degeneration is from 96kHz down to 48kHz. We find DSD, as used in the SACD format, somewhat different in colour from PCM; in some mysterious way DSD is softer and more beautiful but slightly less detailed. In DXD we find the shimmering brilliance from the original analogue source as directly from the microphones. Linear PCM is offered in addition to DTS HD Master Audio on this Blu-ray with the purpose of convincing audiophiles of the true lossless qualities of commercial encoding. The stereo layer of the SACD and the LPCM 2.0-stream on the Blu-ray are both full resolution mix from the original microphones. Mostly we find that the microphone placements used for the surround make a fine stereo. Occasionally we put up extra microphones dedicated for the stereo stream.
I personally prefer extremely high resolution PCM over the DSD and I would claim that DSD is not transparent. But it all comes down to what the sound from your speakers can do to your body and mind. I find that the placement of microphones has an infinite more important role in the final experience of music, than the difference between HiRes PCM and DSD. Sometimes a lie can be more beautiful than the truth!"

calabrote escribió:¿Cuándo le toca a Glosa, que es español? Solo con ver las presentaciones entran ganas de comprarlos todos, y Alia Vox ? Un saludo.

Para ser justos, sólo quiero comentar sobre los sellos que conozca bien, o de los que tenga suficiente material. Voy a buscar cosas publicadas en España, a ver qué tengo.

El disco Divertimenti lo compré y venía en dos formatos: BD Audio y SACD Hibrido, al no tener SACD solo pude comparar la capa CD contra el BD, éste debía sonar mejor, y sin embargo no fue así y yo creo que es debido al transporte, mejor el del CD que mi barato BD de Panassonic, aún así este último sonaba muy bién. El Requiem de Sigurd Islandsmoen es altamente recomendable, así como el de Ole Bull en sus conciertos para violín, el cual viene también en BD y en SACD. Un saludo.

THREE BLIND MICE



http://www.tvz.com/TBM/

La efervescencia del jazz que hubo Japón en los años 70 dio origen a algunas fonográficas que han permitido conservar en el tiempo auténticas maravillas dignas de recordar. Una de esas compañías fue Three Blind Mice, empeñada como ninguna en realizar minuciosos trabajos de grabación con los recursos más selectos que por entonces había disponibles. Es más, si queremos hacer un repaso, como estamos haciendo ahora, del panorama de los sellos audiófilos, entonces TBM no puede dejar de estar presente, y además lo hace como pionero absoluto en este arte de captar la quintaesencia de la música a través del aire.

A pesar de su enorme fama entre los melómanos y audiófilos, de TBM es bastante difícil de encontrar referencias que nos orienten en esta pequeña investigación. Lo que tengo  claro es que TBM ya no realiza lanzamientos en la actualidad, y que los aficionados ahora tienen a su disposición diferentes reediciones de los viejos masters, ejecutadas por FIM en el formato SACD, y también por JVC sirviéndose de su selecto proceso XRCD24.

Tras la marca TBM se encontraban las figuras del productor Takeshi Fujii, y muchas veces también la mano maestra del ingeniero de sonido Yoshihiko Kannari, considerado un genio del registro acústico, capaz de unir como pocos música y tecnología.

Kannari está presente en los créditos del extraordinario disco "Midnight Sugar" (FIM SACD 035), del que ya he hecho algunos comentarios por aquí. Observando la portada, ya puede adivinarse la obra de arte que hay detrás, y no sólo en lo técnico. Con el fin de optimizar el sonido, los músicos ejecutan su parte separados por tabiques, y tocan sus instrumentos como tres ratones ciegos, monitorizando al resto de la banda a través de auriculares. El resultado: una grabación que no es propia de 1974 por su enorme transparencia y definición. Todo es perfecto, como puede percibirse desde la primera nota. El ataque del piano de Yamamoto es aterrador por su realismo, y el sonido del instrumento es contundente, enorme. El bajo, tan complicado de grabar por moverse siempre en las frecuencias graves, suena preciso y es fácil de seguir por su claridad. Y la batería resulta natural en su perfil percusivo, sin asperezas, sobre todo en la parte alta del espectro, donde los platillos dejan su rico rastro armónico. No importa que busquemos nuevas opiniones para contrastar, porque todo el mundo coincide en que el sonido es superlativo. Un apunte anecdótico: la edición SACD está tan cotizada, que su precio ronda los 100$, incluso usado. En internet todavía pueden encontrarse algunos vinilos, originales o reediciones, que alcanzan precios astronómicos.

Kannari volverá a grabar a Yamamoto muchos años después, en una nueva toma de la casa FIM ("What a Wonderful Trio!"), y con resultados quizás aún mejores gracias al uso de   la selecta técnica DXD, pero ya ajenos al entorno de TBM.

En "Blow Up" (MHCP-10022), Isao Suzuki nos ofrece un repertorio variado con su violonchelo, instrumento atípico en el mundo del jazz. El sonido en este registro me resulta muy natural, pleno en color, con una buena escena sonora, y una imagen viva donde percibimos plenamente la respiración de los instrumentos. En definitiva, perfil sonoro dinámico y brillante.

Casi lo mismo podemos decir de "Blonde on the Rocks" de Shoji Yokouchi Quartet (MHCP-10040). El bajo, que conduce todo el disco, suena con cuerpo, y la guitarra resulta directa y muy melódica. La escena sonora es amplia, los transientes explosivos. "The Swing Journal" otorgó a esta grabación el "Premio a la Mejor Ingeniería" en 2007.

Para todos los que quieran degustar fragmentos de estos tres discos, y de otros que no menciono, existe un sampler en CD titulado "Super Analog Sound of Three Blind Mice" (XR-9002), bastante fácil de conseguir.

Creo que basta para tener una idea de la compañía.

¿Es TBM un sello de carácter audiófilo? Creo que la pregunta está de sobra, y en esto pueden coincidir conmigo todos los aficionados que sepan discernir entre lo bueno, lo excelente y lo excepcional.

Hace años que tengo varios vinilos de TBM, entre ellos el "Midnight Sugar" y tu descripción del sonido no puede ser más ajustada a la realidad. Añado que me gusta la forma clara en que lo explicas, huyendo de las frases tópicas que emplean los comentaristas de las revistas de audio.

Saludos y adelante

SACdófilo, tienes varios privados. Un saludo.

ACT



http://www.actmusic.com/index.php

ACT fue fundado por el editor y productor musical Siegfried "Siggi" Loch en octubre de 1992, y es uno de los sellos discográficos independientes de mayor influencia en el jazz actual. Anunciando su presencia en el mercado con el lanzamiento de su aclamado "Jazzpaña", que recibió dos nominaciones a los Grammy y un premio German Jazz Award, rápidamente ha escrito una notable historia llena de éxitos. En 2010, ACT recibió la distinción de "Sello del Año" para Jazz ECHO. Entre sus fichajes hay gran cantidad de músicos escandinavos y también alemanes, todos de reconocido prestigio.

Inicio una breve singladura a través de su discografía comenzando con "Paint It Blue", del trombonista Nils Landgren (9243-2). El CD recoge con realismo el espíritu de una actuación en vivo, y la música se disfruta como tal. En el aspecto sonoro, simplemente correcto, sin más florituras. Recomendable para los amantes del jazz-funk.

Nils Landgren también está presente en un disco completamente diferente, con sólo un piano y un trombón, intimista y de escucha confortable (9281-2). La tonalidad es más que correcta, con una pulsación del piano que suena con realismo, pues tanto el ataque como el decaimiento son verosímiles. El sonido del trombón muestra esa envolvente sorda que le caracteriza, y que resuelven bien los micrófonos junto con todos los armónicos de tinte metálico. Un notable. De cualquier manera tengo que hacer notar que existe una cierta sensación de atenuación de la parte superior del espectro, que nos aleja de los intérpretes. Además, en ciertas pistas he percibido un rumor sordo que parece provenir del exterior de los estudios.

Interesante también el disco de Joachim Kühn con otros dos amigos, en un ambiente de inspiración árabe (9502-2). La grabación es viva y de enorme presencia, la música se lanza a la cara del oyente. En "Asmaa" la cuerda deja en el aire su rica textura armónica, y la pulsación del piano es más que correcta. El contenido percusivo, casi propio del flamenco, se perfila con precisión y transparencia, con autoridad pero sin exageraciones. La sensación de una actuación en vivo es por momentos inquietante. Una grabación 100% audiófila y sin defectos.

Parecido contenido, con música de jazz de color oriental, en un disco superventas del sello, "Samdhi", de Rudresh Mahanthappa (9513-2). El sonido es de gran presencia, con bajos de impacto y agudos aceptables. Timbres fieles y gran definición. En el debe, falta algo de dinámica, y además la escena se presenta con escasa profundidad. La percusión, que domina en todo el disco, suena poco enérgica, como de juguete. Sólo el bajo eléctrico, de carácter sintético, mueve holgadamente el cono de graves. Existe una gran densidad musical que puede llegar a cansar. Una lástima, teniendo en cuenta que esta clase de música puede dar mucho más juego.

Finalmente, mi disco favorito del sello, "Round Silence", de Wolfgang Haffner (9605-2). ¡Esto no suena a CD! El grano del sonido es fino como en alta definición. La presencia de instrumentos electrónicos, que conforman un muro de sonido (según la jerga pop), junto con una evidente over-engineered, no quita que ésta sea una grabación de escucha cómoda y clara, con una recreación espaciosa y tridimensional. Supongo que la presencia de tantos instrumentos sonando al unísono y con un bajo tan energético obliga al técnico de sonido a una edición relativamente procesada, incluso comprimida, pero este hecho no afecta a que el producto final se resuelva con una sonoridad digna de elogio, y a pesar del balance final que suena denso, por no decir ruidoso, la música conserva el timbre de los instrumentos originales. Un ejemplo a seguir por la actual industria de la música comercial.

¿Es ACT un sello de carácter audiófilo? Creo que no sería un error afirmar que sí, aun teniendo en cuenta que el sello no hace gala de esta circunstancia.

Una línea difusa entre los distintos estilos, innovación, calidad por todo lo alto, arte desde el diseño de la portada, amor al detalle y... alemán, es lo que también distingue a esta otra discográfica.

ECM



http://www.ecmrecords.com/Startseite/startseite.php

ECM ("Edición de Música Contemporánea") es un sello discográfico fundado en Munich en el año 1969 por Manfred Eicher. ECM es muy conocido por su difusión de la música jazz, aunque la etiqueta ha lanzado una amplia variedad de estilos, y los artistas de ECM a menudo se niegan a reconocer los límites entre géneros. ECM hasta la fecha ha publicado más de 1200 álbumes, cuyo listado puede consultarse aquí:

http://en.wikipedia.org/wiki/ECM_Records

La calidad de los álbumes de ECM a todos los niveles -cuidando musicalidad, producción e ingeniería- ha sido ampliamente reconocida en todo el mundo, y la etiqueta ha recibido numerosos premios, particularmente desde 2007. ECM ha sido considerado por el diario "The Independent" de Reino Unido como "la huella más importante en el mundo del jazz y la nueva música". El lema de ECM es "el sonido más hermoso y más próximo al silencio" (según recogió la revista de jazz canadiense CODA). ¿Cuánto de verdad hay en esto?. Comprobemos con nuestros propios oidos.

Uno de los grandes pianistas del sello, Keith Jarrett, ofrece su música en vivo en el CD "Standards Live" (ECM 1317). El timbre en general es correcto, con un gran colorido en los diferentes registros. Admirable su fidelidad. El equilibrio tonal es casi perfecto, desde las notas del bajo hasta los transientes de la percusión, aunque tal vez algunas frecuencias en la zona baja tenga algunos saltos significativos. La transparencia es casi total en toda la gama del espectro, y de una definición especial en la zona media, que desvela una gran cantidad de información. El hecho de tratarse de una grabación en vivo creo que afecta algo a la dinámica, algo limitada pero correcta. En cuanto a la espacialidad, pienso que se ha añadido un poco de reverberación artificial, lo que da una falsa sensación de profundidad, si bien el escenario se define correctamente.

El original y creativo Egberto Gismonti, junto a Nana Vasconcelos, es bien retratado en el CD "Duas Vozes" (ECM 1279). La claridad y la definición es de nuevo la gran baza del sello, sin excesos. Todo se define de manera precisa, en medio de un agradable equilibrio entre el sonido cálido y una presentación aséptica. Las voces son recogidas con cuidado, y se articulan claras y naturales. El gran catálogo de instrumentos acústicos está primorosamente plasmado, revelando la tímbrica peculiar de cada uno. Un disco recomendado para todos los amantes del sello.

Una nueva grabación en vivo del guitarrista Terye Rypdal es plasmada con precisión germana en "Crime Scene" (ECM 2041). Vuelvo a percibir un cierto reverb artificial, que emplaza al trompetista en un lugar irreal. El balance tonal es superior, quizás (de nuevo) algo comprimido en dinámica. La escucha no genera fatiga, probablemente por el hecho de tener muy contenidos los transientes, y todo a pesar de una densidad musical considerable, cercana a un estándar comercial.

Keith Jarrett se enfrenta a los conciertos mozartianos en la referencia ECM 1624/25. La buena definición, el equilibrio tonal, y el respeto a la tímbrica natural vuelven a lucir en este doble volumen. Subjetivamente la orquesta aparece algo distante, sensación que es apoyada por una cierta reverberación de la sala. La recreación del espacio es correcta. Quizás el tono general sea un tanto apagado, pero la forma en que se transmite la música es sin duda consecuencia de un buen oficio. De hecho, uno a los cinco minutos se olvida del disco, del equipo, y de todo lo terreno... y vuela por las nubes. Esto sí es música.

En definitiva, de la marca me gusta su carácter invariable y bien definido: musical, equilibrado, transparente, y poco agresivo.

Si cuatro os parecen pocas, aquí tenéis más reviews:

http://ecmreviews.com/

¿Es ECM un sello de carácter audiófilo? Creo que ofendería a mucha gente si dijera que no lo es, de manera que me uno a esos fans incondicionales con mucho gusto.

calabrote escribió:El disco Divertimenti lo compré y venía en dos formatos: BD Audio y SACD Hibrido, al no tener SACD solo pude comparar la capa CD contra el BD...

Bueno, pues hoy mismo he escuchado este mismo disco en su capa SACD, y sólo te puedo decir que es de lo mejor que he escuchado de la compañía noruega. Tremendo. Creo que me quedo sin adjetivos para poder definir el sonido de las cuerdas de Trondheimsolistenen. No voy a decir realista, pero sí orgánico, visceral, contundente, cercano al threshold. Conocía la sinfonía "Simple" de Britten, pero esta es una versión muy buena.

Jorge ¿de dónde demonios sacas estas joyas de discos?

SACDófilo escribió:

En definitiva, de la marca me gusta su carácter invariable y bien definido: musical, equilibrado, transparente, y poco agresivo.

Si cuatro os parecen pocas, aquí tenéis más reviews:

http://ecmreviews.com/

¿Es ECM un sello de carácter audiófilo? Creo que ofendería a mucha gente si dijera que no lo es, de manera que me uno a esos fans incondicionales con mucho gusto.

Buena review, no se si llamar agresividad, en cualquier caso innovador y avant garde. Hay algunos discos de ECM con muy mala leche: David Torn, Nils Petter Molvaer, algunos de Jan Garbarek me vienen a la memoria.

He podido escuchar uno del 2011, Marilyn Mazur - Celestial Circle, y muy recomendable. Suerte que aun siendo parte de un mega conglomerado pueden seguir con un estilo propio.

Antes de nada, dar las gracias a Jorge (Calabrote) por su amable colaboración. Gracias a él he conocido verdaderas delicias del sello que me propongo presentar a continuación.

GLOSSA



http://www.glossamusic.com/glossa/default.aspx?lang=esp

Glossa es un sello español de música clásica que se ha especializado en la recreación de música antigua y barroca, con un evidente interés en el diseño y la excelencia de sus ediciones. No sólo los más exigentes amantes de la música son los que están dando la bienvenida a las grabaciones que se publican en Glossa, también los críticos de los medios especializados dan su absoluta aprobación. Ejemplo de esto son los recién creados Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA) que, en su primera edición de 2011, ha nominado nada menos que nueve grabaciones de Glossa.

La información técnica, como observo en otras compañías españolas, es escasa, por no decir nula. Ni en las carpetillas de los discos, ni en su web oficial, Glossa ofrece un mínimo rayo de luz para entender cual es la receta para elaborar tan delicados y exquisitos trabajos de grabación. Parece que grabaran con un cuerno marino, y que la electricidad no existiera. Pues ellos se lo coman.

Uno de los grandes fichajes de la compañía, Fabio Bonizzoni y su formación La Risonanza, impresionó al jurado de los Premios Gramophone de este mismo año, otorgando a los músicos italianos el prestigioso premio en la categoría vocal-barroca, y de esta manera se premiaba el volumen número 7 de la serie de cantatas italianas de Haendel, Apollo e Dafne. Éste es el disco con el que voy a comenzar mi análisis de la marca.

La portada del SACD, repleta de estilizadas plumas, deja entrever lo que a continuación vamos a escuchar: musicalidad a tutiplén. Pienso seriamente que esta grabación (GCD 921527) pone a prueba los límites de mi propio equipo, y los tweeters de seda se ven superados por unas vibraciones que antes no habían conocido, o eso es lo que se me ocurre ante esta ola de música sin contaminar. Siempre me ha parecido que la voz de un bajo es bastante difícil de captar en un disco, debido a su alta complejidad armónica, pero aquí Glossa realiza un trabajo de primera magnitud, desarrollándose una excelencia acústica que pone en el sitio justo cada uno de los timbres de la voz cantante, y es especialmente sonora donde debe serlo, es decir, en la zona grave. La parte del clave también me ha llamado la atención por su extraordinaria definición y naturalidad, y aparece cortanto el aire desde un punto preciso del espacio recreado. Resultado final redondo, sin más asperezas que las que eventualmente lancen al aire unas cuerdas frotadas en exceso. Tengo que confesar que este maravilloso sonido me ha evocado a mi viejo compañero analógico, el Revox B77, por su claridad, por la variedad multicolor de matices, y por la autoridad de los tonos graves.

En otro SACD de la colección (GCD 921521) encuentro a una orquesta bien delimitada en un plano bastante profundo y que parece rodear a la soprano, quien aparenta estar colocada dos metros por delante, en el centro. La voz de Invernizzi se presenta luminosa, con unos medios articulados, bien entretejidos y complejos, comunicando sobre todo humanidad con su bella voz. La dinámica de esa voz es sorprendente por su realismo, e imprime un ritmo infeccioso. Calidez, viveza y naturalidad en grado superlativo. Se aproxima a las mejores tomas de Harmonia Mundi, con el plus de un sonido aún más completo y redondo por el formato SACD, y también con una mejor sintetización del espacio. Podría estar escuchando durante horas música tan fluida y agradable como ésta.

También destacable un disco del pequeño de los Bach que nos presenta varias composiciones para viento (GDC 920608). El timbre es aquí, igualmente, claro y definido, y el espectro completo, desvelando sin dificultad toda la información musical presente. Si bien la definición del sonido es muy buena, la naturaleza de los instrumentos dificulta algo analizar la estructura de la escena sonora, y también está claro que el ingeniero de sonido ha optado por buscar un cierto panorama espacioso facilitando la ventilación del sonido indirecto. En definitiva, un balance general y una impresión global excelentes, junto a una escucha cómoda.

También apunto un disco de una maravillosa sonoridad y colorido, con algunas piezas vocales de Charpentier (98003). A pesar de las fanfarrias del arranque, la primera impresión es de delicadeza y suavidad. El sonido es muy cálido y de una gran definición, a pesar del formato CD. No hay lagunas en la respuesta. Soberbia representación de la voz del bajo, y lo mismo se puede decir del coro. Medios bien reconstruidos, de gran riqueza, con una palpable discriminación de las voces individuales dentro del conjunto. La musicalidad me parece exquisita, es un disco modélico en todos los aspectos.

¿Es GLOSSA un sello de carácter audiófilo? Sí, y con acento.

De nada, todo lo que se pueda por ayudar a esta nuestra común afición. Lo que es de agradecer es la currada que te estás dando, ya me he pillado algún disco de los sellos indicados y son una gozada, el de Acoussence que lo llevaba observando mucho tiempo ( pero sin comprar ) me parecen muy buenos. Un saludo.

VENUS



http://www.venusrecord.com/v2/index.html

El sello de jazz Venus Records fue fundado por Tetsuo Hara en 1992. Después de haber trabajado como productor para RCA y Alpha, Hara cumplió su viejo sueño de establecer su propia empresa, y lo hizo de la mano de Pharoah Sanders, músico respetado por la comunidad de jazz internacional. Desde entonces, Venus ha lanzado numerosos álbumes como por ejemplo los de Eddie Higgins, Steve Kuhn, Zeitlin Denny, Beirach Richie, Bill Charlap y otros. La producción de estos artistas a través de Venus ha sido muy apreciada especialmente por el público japonés.

Hara también se preocupa por la calidad del sonido. Su firma utiliza un proceso de masterización de 24 bits llamado ""Hyper Magnum Sound", caracterizado por producir un sonido muy potente, con fuerte presencia, que parece ser que tiene muchos seguidores. Después de 15 años de vida, Venus se ha convertido en uno de los sellos de jazz más populares y respetados en Japón.

Comienzo mi análisis con un disco de Nicole Henry, el muy sugestivo "Teach Me Tonight" (TKCV 35346). Tras una buena impresión inicial, el discurso se ve deteriorado por la irrupción de la solista, cuya voz tiene un exceso de sibilancia y un cariz metálico. El acompañamiento orquestal, sin embargo, se desenvuelve bien en medio de una gran musicalidad. La grabación es buena, sin más.

En otro álbum del Renato Sellani Trio (VHCD 1001), hallamos un sonido de una diafanía sólo comparable a las mejores grabaciones de la también japonesa Three Blind Mice, e incluso podemos detectar una misma personalidad sonora, si bien con algunas diferencias. El sonido de la batería se presenta completamente plano de dinámica, y algo de esto también afecta al resto de la formación. Es un tipo de compresión que hace más enérgica la música, si bien nunca llega a molestar. Además, el espectro de frecuencias ha sido claramente manipulado, porque los graves están bastante acentuados. Pero, en definitiva, lo que cuenta es que el balance general es agradable y cómodo para la escucha. Puedo decir que es un sonido bonito, pero que no se ajusta a una representación realista.

Agradable calidez en el disco "Brasilian Dreamin'" (TKCV 35370), del Joe Beck Trio. Existe una enorme fluidez de la música. El bajo se muestra suave como la seda y al mismo tiempo enérgico. Creo que otra vez se ha tirado de ecualizador, pero se ha hecho con gusto y con tacto. En este caso vuelve la dinámica limitada, y esto deja algo lineal el producto final.

¿Es VENUS un sello de carácter audiófilo? Según lo que entendamos por audiófilo: si es por un sonido atractivo, sí. Pero quizás esta marca se aleja un poco del purismo que hemos visto con otros sellos.

Me extraña que nadie haya mencionado a OPUS3, grabaciones muy cuidadas y audiófilas, destacan sus recopilatorios y el imprescindible Eric Bibb, aunque me quedo con mi favorita Swedish Jazz Kings, una grabación imprescindible para quien le guste el swing primitivo antes de de Glenn Miller lo destrozase para hacer otra cosa, creo que Woody Allen estaría de acuerdo con esta afirmación.

Jazz escribió:Me extraña que nadie haya mencionado a OPUS3

Todo se andará. Tampoco he hablado de importantes como PentaTone, LSO, Chesky, Hyperion, Chandos, y de tantos otros. El próximo es BIS, del que ahora estoy estudiando ciertas "peculiaridades" en sus métodos para grabar...

BIS



http://www.bis.se/


Desde hace algunos años, las posibilidades de edición en puro DSD han aumentado considerablemente, pero Robert von Bahr, quien dirige los destinos de la compañía, declaró en alguna ocasión que la compra de nuevos equipos no es viable en la actual coyuntura económica. De hecho BIS presenta en su catálogo muchas grabaciones a 24 bits y 44,1 kHz, y luego llevado a SACD para presentarlo al público. Sus declaraciones pueden ser revisadas aún en el foro de la web SA-CD.net.

Hace unos años, BIS decidió adoptar el SACD como formato de audio principal por 3 razones principalmente:

1. Con mucho, por la calidad superior del sonido con respecto al CD sin importar qué formato de alta resolución se elija.

2. Es el único soporte que sobrevive para un sonido envolvente.

3. Permite editar un disco híbrido compatible con reproductores de CD normales.

Éstas son palabras del propio Robert von Bahr:

"Estamos usando nuestro conocimiento de la colocación del micrófono y los valores de producción para mejorar la música, utilizando las posibilidades del SACD para dar un valor añadido a una sólida experiencia en el proceso. Siempre he creído que la experiencia en dónde y cómo grabar, con la psicología suficiente para sacar el máximo de los artistas en última instancia, es mucho más importante para el resultado final que el sistema que se está utilizando."

Robert von Bahr explica el cambio de DSD a PCM en su proceso de grabación:

"Me gustaría hacer entender que los valores de producción en contraposición a la percepción de las diferencias en la calidad de sonido deberían ser mucho más importantes para el resultado final. Incluso voy más allá y afirmo que, aunque nuestro sonido podría un poco mejor con puro DSD, el precio a pagar sería perder todas las posibilidades que ahora tenemos para que el registro tenga la forma que a los artistas les gusta. Nos encontramos en una guerra entre el fenómeno musical y las posibilidades técnicas y, para mí, la música debe ganar en todas las ocasiones... no creo que los resultados musicales conseguidos por BIS se pudieran haber logrado con un DSD puro en el proceso de grabación."

Ingo Petry, productor e ingeniero de sonido de BIS Records:

"La razón por la que muchas personas piensan que BIS tiene una puntuación más alta en 'buen sonido' es simplemente porque BIS sigue algunas ideas fundamentales para obtener el mejor sonido. Términos como apertura, coloración, impacto, suavidad, personalidad, naturalidad, etc. son palabras con las que tratamos de comprometernos."

Vale, todo muy bien, pero pasamos al análisis.

Elijo, para empezar, un CD que me gusta especialmente, y no es por patriotismo ni nada parecido, pero es que aquí la Orquesta de la Ciudad de Granada está sensacional y arrolladora interpretando conocidas piezas de Edouard Lalo (CD-1680). La toma parece haberse planteado con una tonalidad dominada por unos tonos medios muy agresivos, pero limpios y claros, que dejan entrever la estructura tonal del sonido del violín protagonista en la Sinfonía Española, y de forma plena con todos sus matices. La orquesta suena fascinante, con embrujo, con una cierta pátina de enorme sabor y calidez, y a la vez con carácter y gran delicadeza. El formato CD no impide gozar de los más mínimos detalles de los diferentes timbres. Como único inconveniente, detecto una escena algo estrecha, cerrada y bidimensional, sin profundidad.

Otro disco que encuentro interesante es el que presenta la sinfonía número 1 de Elgar (CD-727). Aquí la toma parece más distante, y la orquesta aparenta ser mucho más grande dentro de un espacio igualmente amplio. La fidelidad tonal es admirable y el espectro equilibrado, con lo que podemos disfrutar de una perfecta naturalidad. Si a esto unimos unos pianos suaves y unos fortes enérgicos en su justa medida, no nos queda más remedio que declarar que estamos ante otro producto de BIS que merece todos nuestros elogios.

Finalmente (y supongo que es suficiente) abordo uno de los discos SACD de la compañía, que contiene varias piezas sinfónicas de Weber (SACD-1620). Nada que objetar, porque desde los primeros segundos me seduce una excepcional claridad, y una dinámica fascinante que transmite musicalidad a raudales. Los instrumentos están bien focalizados en una amplia escena. Los graves me parecen especialmente agradables por su redondez y rotundidad (dos cosas que asocio al formato DSD) y los agudos se transmiten con fluidez y sin rastro del legendario carácter digital. Totalmente analógico, pues, y con sonoridad delicada y al mismo tiempo de gran impacto.

¿Es BIS un sello de carácter audiófilo? Sin duda, a pesar de sus ideas tan poco ortodoxas.

OPUS3



http://www.opus3records.com/

Detrás de cada pequeña discográfica hay una cabeza pensante que determina los destinos de la empresa, y en el caso de la sueca Opus3 el nombre propio es Jan-Eric Persson, fundador del sello y al mismo tiempo productor e ingeniero de sonido. Ya sea de Noruega, Dinamarca o Suecia, parece que en los paises nórdicos existiera una enorme afinidad hacia el mejor sonido posible, sin duda motivado por la enorme cultura musical existente en esos territorios y el gusto por la estética sonora que aflora como una de sus consecuencias.

Opus3 está dedicada de manera especial a la música de naturaleza acústica, como el jazz, el blues, el folk y la música clásica. Podemos leer una declaración de intenciones en su propia web, y así se asegura que el objetivo final es el de reproducir las voces y los instrumentos con la máxima naturalidad y precisión posibles.

"Evitamos todas las formas de artificio y manipulación electrónicas que pudiesen cambiar un sonido natural. Tratamos de dar una oportunidad para recrear la sensación y la atmósfera que se siente en el momento de la grabación."

Todo esto, según Jan-Eric Persson, se consigue respetando tres valores fundamentales: profundidad de imagen, timbre y dinámica. En su web, podemos leer ideas muy originales sobre esta filosofía.

"Las discusiones sobre el sonido de hoy en día tienden a centrarse más en las relaciones dentro de la cadena digital. La atención muy a menudo se centra exclusivamente en el tipo del convertidor A/D utilizado, la cantidad de bits y de sobremuestreo que se utiliza, si el equipo ha sido especialmente modificado, y así sucesivamente."

"Cuando Opus 3 inició su carrera a finales de 1976, se habló mucho más de la forma en que se llevaba a cabo la grabación, exclusivamente en términos de técnica de grabación y metodología empleados (por ejemplo, varios micrófonos frente a la técnica del micrófono doble) y la clase de entornos para una grabación determinada (ambientes naturales frente a estudios tradicionales)."

"La cantidad de aparatos electrónicos utilizados en la grabación también es muy importante. En el tipo de mesas de mezcla de uso común en un estudio clásico de grabación, la señal acústica pasa a través de un gran número de etapas de amplificación, ¡y no es raro encontrar un número comprendido entre treinta y cuarenta! En Opus 3 hemos desarrollado nosotros mismos la parte electrónica, principalmente de tubos de vacío, en la que no se incluyen más de tres o cuatro etapas de amplificación entre micrófono y medio de almacenamiento."

"Opus 3 ha desarrollado un proceso de grabación especial para la música acústica, y se basa en el uso de la acústica natural en ambientes reales, tales como iglesias, salas de conciertos, y clubes de jazz. La colocación de los micrófonos en la sala de grabación y el posicionamiento de los músicos en relación con el micrófono también son extremadamente importantes."

"Desde el principio hemos utilizado lo que se conoce como 'técnica de grabación coincidente X/Y', empleándose una configuración especial de ochos cruzados, también conocida como 'técnica Blumlein', en honor a Alan Dower Blumlein, el ingeniero de radar británico que desarrolló esta tecnología allá por 1934."

Sobre la profundidad de imagen.

"Estamos tan acostumbrados a la percepción tridimensional, que nunca se piensa en ella. Sin embargo, sólo tenemos que cerrar un ojo para notar que las distancias se reducen y de repente nuestra visión en tres dimensiones desaparece: necesitamos ambos ojos y la relación que se establece entre ellos con el fin de poder ver en tres dimensiones. Esto es lo mismo de válido para nuestro sentido del oido."

"Nuestro cerebro y el sistema auditivo procesan el sonido de las ondas que llegan independientemente a cada oreja, en relación a su nivel, dirección, tiempo y contenido de frecuencias. La señal se analiza en nuestro cerebro, y las diferencias que encuentra entre las señales procedentes de los dos oídos les informa, por ejemplo, sobre la distancia hasta las diferentes fuentes de sonido y de sus posiciones relativas. Experimentamos la profundidad de la imagen, por ejemplo, percibiendo cómo se colocan los diferentes instrumentos de la orquesta dentro de una sala de conciertos, y no sólo de izquierda a derecha, sino también en profundidad, junto con el tamaño y la acústica propia de la sala de conciertos."

"Al recoger la totalidad del sonido desde un solo punto con un micrófono estéreo, es decir, un micrófono con sus dos cápsulas tan cercanas como sea posible, se obtiene una estrecha relación entre sonido directo y sonido reflejado, y esto da a nuestro cerebro una información importante para construir la ilusión de un escenario real. En los estudios de grabación tradicionales se dispone básicamente un micrófono por cada instrumento, y luego se mezclan todos juntos mediante procesos electrónicos. Esto no es estéreo real, sino sólo diferentes fuentes puntuales ubicadas de forma artificial en una mezcla posterior."

"Además, dado que los micrófonos se colocan generalmente muy cerca de cada instrumento, en un estudio de acústica muerta, todo lo que se consigue es el sonido directo del instrumento, y la reverberación tiene que ser agregada después de un modo artificial."

Sobre el timbre.

"Por timbre nos referimos al carácter específico de un instrumento musical, lo que hace posible que distingamos un instrumento de otro. El timbre por tanto es una combinación de frecuencias significativas dentro de su distribución espectral, es decir, una relación entre las notas y sus armónicos respectivos, y también la forma en que irradian las ondas desde el cuerpo del instrumento."

"Todos los instrumentos acústicos están diseñados para ser tocados en una sala de conciertos, es decir, en un lugar donde se pueden escuchar tanto por su sonido directo como por su reverberación en el ambiente. Si en Opus 3 se está buscando un timbre tan natural como sea posible, es de vital importancia no sólo que los instrumentos se puedan grabar en el tipo de sala para los que fueron concebidos originalmente, sino también con las distancias al micrófono necesarias para capturar el sonido que irradian sus cajas de resonancia. Cuando se emplean distancias demasiado cortas, posteriormente el timbre tiene que ser restaurado de forma artificial, utilizando diferentes métodos de ecualización. No hay que olvidar que cuando nuestros instrumentos musicales fueron inventados, hace mucho tiempo, no existían ni la electricidad, ni los micrófonos, ni los estudios de grabación."

Esto es lo que pienso yo de la voz humana, porque en la inmensa mayoría de las grabaciones los cantantes pegan su boca al micrófono, y en el mejor de los casos cantan a medio metro mirando directamente hacia él. Pero esto no ocurre así en la vida real ¡nadie habla a diez centímetros del oido de su interlocutor! Como consecuencia de este error tan generalizado, la voz en nuestros discos suena sibilante, con un exceso de armónicos, en un balance muy poco natural. Muchos vocalistas podrían tomar nota de este detalle.

Sobre la dinámica.

"El rango dinámico de un instrumento musical es la diferencia que existe entre el nivel más fuerte y el más suave que es capaz de producir. Como en el caso del timbre, la dinámica de un instrumento depende no sólo de cómo está construído, sino también en la forma en que es utilizado por el compositor e intérprete. La dinámica, en este sentido, es aprovechada para crear un gran número de efectos musicales, y también cambios de emoción, humor y expresión, etc. Las propiedades dinámicas de un instrumento musical están también muy afectadas por la forma en que se capturan. Las distancias cortas entre micrófono y músico que habitualmente se emplean en los estudios tradicionales también deforman la dinámica registrada. El equilibrio dinámico entonces tiene que ser artificialmente restaurado, utilizando compresores, limitadores y otros recursos."

Tras esta pequeña lección de ingeniería purista, abordamos el análisis de los discos de Opus3.

Ya mencioné alguna vez el SACD publicado por el grupo Tiny Island, con el álbum de mismo nombre (SACD 19824). Música de sabor oriental con humor nórdico. La intervención de pocos instrumentos en un ambiente calmado favorece la escucha precisa, también gracias a una enorme transparencia. A todo esto se une una agradable calidez, y existe un cierto juego de espacios sonoros que se superponen y que hacen amena la audición. Las guitarras que suenan en los extremos de la escena estéreo parecen casi salidos directamente del altavoz, mientras que la percusión se pierde en algún punto más allá, a gran distancia. El espectáculo está servido.

"Analógico", el adjetivo más adecuado para el SACD de Eric Bibb titulado "Spirit & The Blues" (SACD 19421). Creo que es un disco imprescindible en la colección de cualquier amante del mejor sonido digital, aunque no comparta el aire profundamente religioso que impregna todas sus piezas. El sonido, por descontado, es superior en todos los sentidos, y las diferentes voces e instrumentos se perciben claros y de articulación muy natural.

La Sinfonietta de Estocolmo bajo la batuta de Okko Kamu revela todo su potencial gracias a otra toma afortunada con las primeras sinfonías de Beethoven (CD 19504), si bien la técnica purista empleada (imagino que sólo se han utilizado dos micrófonos) limita un poco el panorama estéreo. Además, el centro de ese escenario virtual me parece un poco congestionado al estar ocupado por varios instrumentos a la vez. Por lo demás, todo sigue en su sitio: el rango de frecuencias es equilibrado, dejando identificar con facilidad el timbre de cada instrumento. La audición es cómoda, y la bella interpretación contagia su ritmo, dentro de un ambiente mágico de pura musicalidad.

Finalmente, un clásico del sello, "Benny Waters, live at the Pawnshop" (SACD 19911). El grupo interpreta diez estándares de forma decidida y enérgica. Se trata de una grabación realizada en vivo, en 1976, en el famoso club de jazz sueco, "La Casa de Empeño". El ambiente, en vivo y en directo, está bien reflejado en la grabación. El sonido es rico en matices, si bien la mezcla es un poco opaca y algo indefinida.

¿Es OPUS3 un sello de carácter audiófilo? Respondo con otra pregunta: ¿hay quien pueda dudarlo?.