El rincón de los pesaos

Hola , venga un" toque" exótico al hilo, aunque haya que usar calzador para ajustar como jazz la etiqueta de esta singular música. "Fusionando influencias clásicas orientales y occidentales con elementos de ambient, dub y hip-hop, Jah Wobble ha creado un álbum conceptual pancultural verdaderamente brillante. La canción principal, "Heaven & Earth", abre el LP con una gama casi orquestal de emociones dinámicas centradas alrededor de la voz y el violín de Zi Lan Liao , la flauta de bambú de Kui Hsuing Li y los tambores tribales percutidos de Wobble. "A Love Song" es una pista de dub hipnótica que muestra el talento vocal de Natacha Atlas, cuya melodía de Oriente Medio le da un toque sensual a la canción, perfectamente combinada con la línea de bajo sensual.

Bill Laswell presta su toque distintivo a "Gone to Croatan" y "Hit Me", que combina perfectamente con los ritmos hip-hop y la magia de tornamesas proporcionados por los djs DXT y Rob Swift , con los alucinantes solos de flauta y saxo de Pharoah Sanders y las texturas sintetizadas de Bernie Worrell. "Om Namah Shiva" combina la ágil calistenia vocal de Najma Akhtar y los deslumbrantes ritmos de tabla de Inder Matharu, con la percusión programada y el toque de Wobble para crear un efecto altamente eficaz. El propio Laswell dice que Heaven & Earth es "lo mejor que Jab Wobble haya registrado alguna vez". ¿Quiénes somos nosotros para discutirlo?   -Bret Love, AllMusic. (editada)
01 Heaven & Earth

02 A Love Song

04 Divine Mother

05 Gone To Croatan

07 Om Namah Shiva


Salud y un cordial saludo.

Muertos a tiros. Fascículo 3
Jaki Byard se hizo muy conocido en los 60 como pianista del grupo de Charles Mingus, o en grabaciones con Eric Dolphy, entre otros, pero sus proyectos personales no tuvieron tanta repercusión entre los aficionados como correspondía a su gran calidad y originalidad. El instrumento principal de Byard era el piano, pero también era un excelente saxofonista y dominaba otros instrumentos: trompeta, violín, trombón, contrabajo, guitarra… Tocaba sin problema el saxo con una mano y el piano con la otra. Igual tocaba blues, boogie, stride, bop o free, siempre con innovaciones e incluso a veces fundía en un solo tema varios de esos estilos con extrema fluidez y personalidad única.

Las grabaciones que más me gustan de Jaki Byard son las que hizo a piano solo, en este sentido son absolutamente recomendables su “Piano Solo” (Prestige, 1969); “Jaki Byard at Maybeck” (Concord, 1991); el grabado en 1960 pero no publicado hasta 1988 “Blues For Smoke” (Candid, 1988); también el que grabó en trío con Ron Carter y Roy Haynes “Here’s Jaki” (Prestige , 1961), o el “Hy-Fly” (New Jazz/Prestige, 1962) también con Ron Carter pero con Pete LaRoca en la batería. Aquí la versión de la composición tan conocida de Randy Weston titulada “Hy-Fly” y que da título al disco:



El hondo conocimiento que tenía Byard de la historia del jazz era formidable, y su dedicación como músico profesional la compaginaba con una intensa actividad docente. Como profesor tenía un enorme reconocimiento. Entre sus discípulos se encuentran figuras como las de Jason Moran o Fred Hersch, por ejemplo, a los que entre otras cosas les inculcó el amor por Thelonious Monk.

Este extraordinario pianista murió en su casa de un disparo en la cabeza. No se encontró el arma y la policía lo calificó de homicidio, pero el caso se cerró sin encontrar pistas del asesino y sin poder dar explicación de cómo había sucedido todo. Jaki Byard era un buen tío al que quería todo el mundo y no tenía enemigos. Un verdadero misterio. Lo único cierto es que mataron a Jaki Byard de un disparo el 11 de febrero de un no tan lejano 1999.

El de aquí abajo es el audio de Youtube del disco “Blues For Smoke”, ese disco que grabó en 1960 y no se publicó hasta 1988. Si no queréis escuchar todo el disco os recomiendo saltar al minuto 29:00 para escuchar un tema cortito titulado  “Jaki’s Blues Next” que es un ejemplo claro de como va y viene del puro stride (si alguien tiene dudas sobre lo que es el stride aquí más información) a formas libres de manera totalmente natural.

Tanto tiro me ha recordado a Don Myrick, líder de la sección de viento de Earth, Wind and Fire, muerto de un tiro por la policía de Los Ángeles (cómo no) supuestamente al confundir un mechero con un arma. Antes de estar en los Earth, participó en Pharoahs, grupo que solo editó un par de discos, ambos de una mezcla de jazz, funk, soul y raíces africanas, con unas bases rítmicas apabullantes. Nada que envidiar a Funkadelic, por poner un ejemplo y bastante próximos a propuestas actuales si no fuese por la electrónica,. Un ejemplo de su primer trabajo "Awakening"

coltrein escribió:Tanto tiro me ha recordado a Don Myrick, líder de la sección de viento de Earth, Wind and Fire, muerto de un tiro por la policía de Los Ángeles (cómo no) supuestamente al confundir un mechero con un arma. Antes de estar en los Earth, participó en Pharoahs, grupo que solo editó un par de discos, ambos de una mezcla de jazz, funk, soul y raíces africanas, con unas bases rítmicas apabullantes. Nada que envidiar a Funkadelic, por poner un ejemplo y bastante próximos a propuestas actuales si no fuese por la electrónica, (...)

No tenía controlado este homicidio, ni tampoco sabía que The Pharaohs tenía un segundo disco, voy a buscarlo ya. Este "Awakening" (Scarab Records, 1971. Reeditado por Luv N 'Haight Records, 1996) es buenísimo.

Pasando a otro tema, aquí vienen 19 potentes minutos de Comet Is Coming, el trío de Shabaka Hutchings del que hemos hablado más de una vez. Shabaka Hutchings tiene la campana súper girada ¿no?. Lester Young giraba la boquilla pero Shabaka Hutchings parece que gira todo el cuerpo del saxo. Si hay alguien que toque el saxo ¿me puede decir si eso es normal?




Una foto de Lester Young con su posición tan característica.

Tocho escribió:

coltrein escribió:Tanto tiro me ha recordado a Don Myrick, líder de la sección de viento de Earth, Wind and Fire, muerto de un tiro por la policía de Los Ángeles (cómo no) supuestamente al confundir un mechero con un arma. Antes de estar en los Earth, participó en Pharoahs, grupo que solo editó un par de discos, ambos de una mezcla de jazz, funk, soul y raíces africanas, con unas bases rítmicas apabullantes. Nada que envidiar a Funkadelic, por poner un ejemplo y bastante próximos a propuestas actuales si no fuese por la electrónica, (...)

No tenía controlado este homicidio, ni tampoco sabía que The Pharaohs tenía un segundo disco, voy a buscarlo ya. Este "Awakening" (Scarab Records, 1971. Reeditado por Luv N 'Haight Records, 1996) es buenísimo.

Una puntualización sobre el "2º" álbum de The Pharaohs- In the Basement de 1996. No es tal como concepto de álbum sino un recopilatorio de material de archivo que contiene varios temas en directo, cara B de un single, toma alternativa, más un inédito de la sesión del álbum original.

Aquí podéis ver los detalles. Por cierto, el "1º" es todo un pequeño (por lo de oscurito) clásico que este mismo año se ha vuelto ha reeditar.

https://www.discogs.com/es/The-Pharaohs-In-The-Basement/release/1858142

Me acabo de dar cuenta de que escribí Pharoahs. En qué estaría yo pensando...

coltrein escribió:Me acabo de dar cuenta de que escribí Pharoahs. En qué estaría yo pensando...

En Pharoah Sanders...???  

Desde luego mucho más conocido y familiar para cualquiera que esté un poco metido en el jazz. Aunque hubieron unos cuantos más Pharaohs anteriores en los 50 y 60´s. Pero en otros estilos, hasta en el psychobilly ochentero.

No se complicaron demasiado en la originalidad del nombre, desde luego.

Hola de nuevo el "Awakening" lo tengo y ademas de parecerme genial tiene buen sonido. Ya que hemos nombrado al 'mítico' Thelonious Monk dejare un excelente álbum "Carmen Sings Monk" (1988) de Carmen McRae. Añadir que tengo el CD de 2017 (RCA Victor, 18 temas) y su sonido es excelente. Como no veo el álbum completo dejo un tema y el enlace en donde están todos los temas (solo 16) por si le queréis echar una orejada. Y una reseña:

"En 1988, tres años antes de retirarse, la cantante Carmen McRae se daba en su penúltima grabación un festín monkiano. En Carmen Sings Monk repasaba trece clásicos del pianista. Todo preparado al servicio de la cantante para mayor gloria de Monk, McRae en un magnífico estado de forma ponía su espléndida voz a la revisión de unos temas inmortales acompañada por George Mraz (fantástico al contrabajo) y Al Foster a lo largo de toda la grabación; el monkiano Charlie Rouse (acompañante del pianista y líder del proyecto Sphere) y Larry Willis en los dos temas grabados en directo, mientras que Clifford Jordan y Eric Gunninson lo hacían en el resto -grabados en estudio-. Recomendable de principio a fin en su edición original, esta reedición en CD llega casi a los límites de la duración de estos artefactos sonoros con sus 79 minutos y 50 segundos, incluyendo cinco versiones alternativas adicionales."   -https://www.tomajazz.com/

https://www.youtube.com/watch?v=qYADfnI-iSs&list=PLjIWyvS4iIsnzYhEOm2CIGzgyjYnB_mlr  (16 temas)



Salud.

Felix escribió:(...) Ya que hemos nombrado al 'mítico' Thelonious Monk dejare un excelente álbum "Carmen Sings Monk" (1988) de Carmen McRae. Añadir que tengo el CD de 2017 (RCA Victor, 18 temas) y su sonido es excelente. Como no veo el álbum completo dejo un tema y el enlace en donde están todos los temas (solo 16) por si le queréis echar una orejada. (...)

Buenísimo este de Carmen McRae, un disco imprescindible de los dedicados a la música de Thelonious Monk.

Empecé a escribir un post dedicado a Thelonious Monk y las versiones que otros músicos han hecho de su música, y me ha salido una cosa mastodóntica, de manera que voy a compartir trocitos. Aquí viene el primero:

Tengo contabilizados más de 150 discos que otros músicos han dedicado por completo a la música de Thelonious. Los hay de todo pelaje. Si se conoce a Monk interpretado por Monk, las versiones de otros músicos se pueden disfrutar más intensamente, o por el contrario tirarlas directamente a la basura, por lo tanto mi consejo es escuchar y conocer a Monk antes que a los que le interpretan.

El músico más aceptado como mayor especialista en la música de Monk es el saxofonista y clarinetista Steve Lacy. Este tocó con Monk a principios de los 60, e impresionado por la experiencia se convirtió en un obsesivo estudioso de su obra grabando entre su abundante producción discográfica media docena de discos dedicados enteramente al genio, todos buenísimos, pero por nombrar alguno, los imperdibles “Only Monk” (Soul Note, 1987) y su continuación “More Monk” (Soul Note, 1991), en los cuales toca en solitario en plan esencialista, aparte de los grabados con el pianista Mal Waldron o con su colega el trombonista Roswell Rudd, otro de los muchos músicos rendidos admiradores de la música de Monk.

El “Only Monk” (Soul Note, 1987)




Un par de tracks del “Reflections” (Prestige, 1959), con Mal Waldron (piano), Buell Neidlinger (contrabajo) y Elvin Jones (batería):

Me encanta Lacy. Tuve la suerte de verlo junto con Mal Waldron en un concierto improvisado en el Jazz Filloa, en A Coruña, tras su concierto oficial y de estrechar la mano de ambos. Perdón por la tontería, pero para mí es un gran recuerdo. Saludos

Es de esperar que los "adictos" a Monk y que estáis al día de todas las novedades discográficas al menos en jazz (yo no), conozcáis y hasta ya de sobras este disco. Yo me enteré hace apenas medio año. Mi intención fue comprar la edición en doble vinilo, pero rondaba ya los 100€. Compré la edición en lp simple.

https://www.discogs.com/es/master/view/1196458

Se trata de la edición por 1ª vez en 2017, tras su hallazgo, de la banda sonora que compuso para la banda sonora de la película francesa Les liasons dangerouses de 1960. Dirigida por Roger Vadim y adaptación de la novela clásica.

Se comenta que compuso 3 temas exclusivos para el film aparte de otras reinterpretaciones, hechas ex profeso con una serie de músicos con los que no había grabado anteriormente.
Más detalles... como quien contactó con él fue el productor francés que antes se había encargado de hacerlo con Miles Davis y Art Blakey, para otras sendas películas francesas, que supongo conocéis bien esos discos. Perdonad que no entre en detalles y nombres, son fáciles de encontrar datos a poco que busquéis por ahí y no estoy por la labor.
Pero éste en concreto de Monk grabado en 1959 y casi calentita aún su reedición no se hasta que punto será conocido ya por los admiradores. Bueno.... y curiosos, allegados y afines, que me consta que Monk no es plato de muchos aficionados al jazz.
Aún leo cosas como que no tenía "buena técnica".

jagarry escribió:Es de esperar que los "adictos" a Monk y que estáis al día de todas las novedades discográficas al menos en jazz (yo no), conozcáis y hasta ya de sobras este disco.  (…)

Lamento desilusionarte, pero este aficionado que está al día de todas las novedades discográficas del jazz no existe. En cuanto a este doble CD, aquí el comentario de Diego Manrique en El País. De los temas desconocidos solamente hay uno en este doble CD o vinilo, un gospel muy cortito y bastante intrascendente. El otro tema que se anuncia como nuevo, el “Light Blue”, ya lo pudimos conocer en diferentes versiones publicadas en diversos discos, me sorprende que se mencione como “nuevo”. Y si no me equivoco no hay ningún inédito más.

jagarry” escribió:(…)  Bueno.... y curiosos, allegados y afines, que me consta que Monk no es plato de muchos aficionados al jazz.
Aún leo cosas como que no tenía "buena técnica".

Mi politeísmo agnóstico tiene un dios por encima de los demás: Thelonious Monk. Como fanático de Monk pienso que él es el mejor intérprete de su música, sus siempre discutidas limitaciones como pianista a mí, por el contrario, me parecen un valor añadido. Es obvio que son muchísimos los pianistas que poseen un dominio técnico muy superior al de Monk, pero también es verdad que no pocos pianistas disimulan sus deficiencias expresivas con virtuosísticos exhibicionismos dirigidos a un público predispuesto a deslumbrarse con demasiada facilidad por las habilidades técnicas del intérprete. Este respetable oyente no es precisamente el público de Monk.

De Monk como pianista me hechizan sus osadas innovaciones armónicas, la asimétrica y elástica concepción de los tiempos, el misterio aportado por sus silencios y sus pretendidos errores, la construcción angular de sus improvisaciones con una lógica tan aplastante cómo imprevisible, porque te mantiene en vilo cuando duda porque ni él mismo sabe cual es la nota que va a tocar a continuación en su camino hacia la tónica, etc. Todo eso, y más, consigue que su capacidad expresiva como intérprete, transmitiendo emociones en cada nota, me parezca algo único e insuperable. Está claro que Monk me tiene ganado, no puedo ser objetivo.

coltrein escribió:Me encanta Lacy. Tuve la suerte de verlo junto con Mal Waldron en un concierto improvisado en el Jazz Filloa, en A Coruña, tras su concierto oficial y de estrechar la mano de ambos. Perdón por la tontería, pero para mí es un gran recuerdo. Saludos

No es ninguna tontería, coltrein, estas cosas confirman que estos mitos eran de carne y hueso, y existieron de verdad. Envidio esa experiencia.

jagarry escribió:
Pero éste en concreto de Monk grabado en 1959 y casi calentita aún su reedición no se hasta que punto será conocido ya por los admiradores. Bueno.... y curiosos, allegados y afines, que me consta que Monk no es plato de muchos aficionados al jazz.
Aún leo cosas como que no tenía "buena técnica".

gracias Jagarry, buen disco, no añade mucho a lo que conocíamos de Monk pero merece la pena!
Respecto a su técnica tanto "primitiva" cuanto genial, buscad videos donde se ven sus manos mientras toca. Su manera de darle a las teclas con los dedos extendidos y rígidos es muy peculiar y produce esas notas que parecen campanas tocando. Me repito, un genio...

Tocho escribió:

El de aquí abajo es el audio de Youtube del disco “Blues For Smoke”, ese disco que grabó en 1960 y no se publicó hasta 1988. Si no queréis escuchar todo el disco os recomiendo saltar al minuto 29:00 para escuchar un tema cortito titulado  “Jaki’s Blues Next” que es un ejemplo claro de como va y viene del puro stride (si alguien tiene dudas sobre lo que es el stride aquí más información) a formas libres de manera totalmente natural.

50 años de jazz en 2 minutos, una tema espectacular! gracias por esta joya. El disco también me gustó. Conocía Byard bastante por encima, come parece que nos pasa a muchos con este pianista un poco olvidado.

No sé por qué me habéis traído con el disco de Jaki Byard otro a la cabeza. No es que se parezca (en realidad es bastante free), pero sí se pueden apreciar en él las influencias del stride y del blues. Se trata de "Time Zones ", de Charles Gayle.  Conocido por su faceta de saxofonista tenor y alto, y por haberse pasado una buena parte de su vida sin techo y tocando en las calles, en este disco aparece al piano solo, con composiciones propias. De hecho, el piano fue su primer instrumento cuando era crío. Tiene otro disco al piano de Standards,  pero en mi opinión éste es mejor.

... me parece que este post de ayer no salió bien, lo publico otra vez...

En la ultima semana me dedicado a Tom Varner, bastante único en su genero porque toca el corno francés.  Cuantos cornistas jazz podéis recordar? Y entre ellos cuantos de primera línea en un grupo? Yo ninguno salvo el excelente Tom…

“The Mystery of compassion”, Soul Note, 1992



https://open.spotify.com/album/6FfLQch0IbgeXEqdnz2PrO

Un disco buenísimo donde se mezclan ritmos funky, vanguardia, música de cámara y más…
Le acompañan al sax Ed Jackson y Rich Rothenberg, Mike Richmond al bajo, Tom Raney a la batería. En alguna pieza se añade otro sax, un trombón y un violín (Mark Feldman).

En el mismo estilo también recomiendo “Martian hearthache”, Soul Note, 1997. Un año después, gravó para el mismo sello “Window up above”, reinterpretaciones de clásicos de la música americana de los últimos tres siglos.

coltrein escribió:No sé por qué me habéis traído con el disco de Jaki Byard otro a la cabeza. No es que se parezca (en realidad es bastante free), pero sí se pueden apreciar en él las influencias del stride y del blues. Se trata de "Time Zones ", de Charles Gayle. (...)

Ostras, gracias coltrein, no conocía la faceta como pianista de Charles Gayle y estos dos temas que has puesto me han gustado un montón, tanto el blusero como el otro con ese stride deconstruido. Este tipo de piano tosco me encanta. Buscaré sin falta estos dos discos que mencionas en tu mensaje.

BPED escribió:... me parece que este post de ayer no salió bien, lo publico otra vez...

En la ultima semana me dedicado a Tom Varner, bastante único en su genero porque toca el corno francés.  Cuantos cornistas jazz podéis recordar? Y entre ellos cuantos de primera línea en un grupo? Yo ninguno salvo el excelente Tom…

“The Mystery of compassion”, Soul Note, 1992

(...)

https://open.spotify.com/album/6FfLQch0IbgeXEqdnz2PrO

Un disco buenísimo donde se mezclan ritmos funky, vanguardia, música de cámara y más…
Le acompañan al sax Ed Jackson y Rich Rothenberg, Mike Richmond al bajo, Tom Raney a la batería. En alguna pieza se añade otro sax, un trombón y un violín (Mark Feldman).

En el mismo estilo también recomiendo “Martian hearthache”, Soul Note, 1997. Un año después, gravó para el mismo sello “Window up above”, reinterpretaciones de clásicos de la música americana de los últimos tres siglos.

Es verdad, solo recordaba un nombre de músico que toque el corno francés, Gunther Schuller, más que nada por su participación en alguna de las sesiones del “Birth Of The Cool” de Miles Davis. Tom Varner no me sonaba de nada, pero buscando resulta que está en alguno de los discos que tengo de la Vienna Art Orchestra y en un disco con la flautista Jamie Baum en formato de septeto. Nada más. Ahora estoy escuchando este “The Mistery Of Compasión”, y caramba, suena fantástico. El sello Soul Note y su hermano Black Saint (ahora propiedad de CAM Jazz) tienen un catálogo impresionante.

coltrein escribió:No sé por qué me habéis traído con el disco de Jaki Byard otro a la cabeza. No es que se parezca (en realidad es bastante free), pero sí se pueden apreciar en él las influencias del stride y del blues. Se trata de "Time Zones ", de Charles Gayle.  Conocido por su faceta de saxofonista tenor y alto, y por haberse pasado una buena parte de su vida sin techo y tocando en las calles, en este disco aparece al piano solo, con composiciones propias. De hecho, el piano fue su primer instrumento cuando era crío. Tiene otro disco al piano de Standards,  pero en mi opinión éste es mejor.

gracias Coltrein, me ha encantado.. no sabía que Charles Gayle tocara también el piano!

Hola, continuo con exotismos; dejo "Bamboo", de Minoru Muraoka, album recién incorporado a mi fonoteca; versiones de exitosos temas anglosajones mixturados con música e instrumentos tradicionales japoneses, y algún tema propiamente tradicional japonés. En mi opinión merece una relajada escucha.

Una reseña editada: "La poco conocida obra maestra de 1970 de Minoru Muraoka, "Bamboo",  es realmente un álbum fascinante si se ve a través de una lente poscolonial. El jazz en Japón ha tenido una historia interesante en la que los músicos eran vistos típicamente por las familiaridades en su sonido, como Nanri Fumio (el Louis Armstrong de Japón) pero incluso antes de la ocupación de la posguerra, fueron artistas como Muraoka quienes lo combinaron con un sonido indígena.

Artistas de jazz como Sonny Rollins sugirieron que los artistas japoneses combinaran el jazz típico occidental con su música nativa... "Bambú" hace exactamente eso. Muraoka no está creando una música completamente nativa, sino más bien un mestizaje de jazz poscolonial, en el que utiliza instrumentaciones nativas junto con elementos musicales del colonizador estadounidense.

El álbum comienza con una canción que ejemplifica esta vista con una versión de "Take Five" de Paul Desmond, solo con un ligero giro. En lugar de un saxofón alto y un piano, Muraoka toca shakuhachi, una flauta japonesa tradicional de bambú, con los miembros de su banda tocando el koto (un instrumento de cuerda) y el tsu-tsumi (batería).

La segunda canción "Mogamigawa Funauta" es una canción tradicional que se traduce como "The Mogamigawa Boatman", que se origina en la región de Tohoku en el noreste de Japón. La canción tiene un sonido muy tradicional, sin embargo, la adición del bajo eléctrico agrega una calidad occidental definida a la canción.

Una de las pistas más fascinantes de todo el álbum es "The Positive and the Negative", que combina tantos elementos estilísticos diferentes que sería difícil limitarlo a un género. El shakuhachi y el koto crean una textura que suena muy parecida a la última pista y muy parecida a un songl, pero el bajo y la batería crean una textura que recuerda al funk.

La siguiente canción es una versión de la canción de los Beatles "And I Love Her", e introduce otro instrumento tradicional, el biwa (un instrumento de cuerda pulsada, que se involucra en una especie de llamada y respuesta con el shakuhachi de Muraoka. "House of the Rising Sun" comienza con una introducción no acompañada de shakuhachi que da paso al órgano que describe los acordes que dan paso a la melodía y replicada por el shakuhachi. Si bien no es difícil ver la conexión con la versión de The Animals con la presencia del órgano y la guitarra eléctrica.

"Do You Know the Way to San José" también es una versión, pero muy alegre, que suena casi latina con el acompañamiento rítmico del bajo. El órgano al comienzo de "Soul Bamboo" está prácticamente transcrito directamente de "Blues, Pt. 2" del álbum homónimo Blood, Sweat & Tears lanzado solo un año antes. Sin embargo, una vez que entra toda la banda, la similitud termina por completo. Mientras se mantiene en el estilo jazz-rock tan popular durante estos años, Muraoka crea una gran canción original utilizando algunas de sus virtuosas habilidades técnicas con el shakuhachi.

La siguiente pista es "Call Me", una canción de Petula Clark, pero que se hizo famosa por Chris Montez. Sin embargo, mientras que la versión de Montez está en un estilo pop, la versión de Muraoka está en un estilo bossa nova hecha obviamente por el ritmo de samba en la batería y la articulación pronunciada en el shakuhachi.

"Scarborough Fair" es la pista final, y aunque no es una de las pistas más fuertes, es en donde destaca aún más la mezcla de ambas culturas.  Este álbum es una gran introducción a este estilo de jazz japonés que incorpora elementos tradicionales con jazz y elementos populares."  -No puedo acreditar la reseña, sorry.  

Felix escribió:Hola, continuo con exotismos; dejo "Bamboo", de Minoru Muraoka, album recién incorporado a mi fonoteca; versiones de exitosos temas anglosajones mixturados con música e instrumentos tradicionales japoneses, y algún tema propiamente tradicional japonés. En mi opinión merece una relajada escucha.
(...)

Me has hecho recordar un disco también de sonido japonés pero con alguna gran diferencia a este que citas. Se trata del “Monk’s Japanese Folk Song” de Miya Masaoka, una japonesa que se mueve en los ambientes vanguardistas de Nueva York, o sea que ya puedes suponer que la Minoru Muraoka y Miya Masaoka tienen sensibilidades que no viajan en la misma dirección.

De entrada el repertorio del disco que te recomiendo no se basa en canciones de la lista de éxitos internacionales, sino en la música de Thelonious Monk, y otra gran diferencia es la estelar sección rítmica que acompaña a la japonesa: Reggie Workman al contrabajo y Andrew Cyrille a la batería, dos de los máximos exponentes del jazz en sus respectivos instrumentos, no creo que haga falta recordar la enorme calidad y espectacular curriculum que acreditan estos dos veteranos músicos en su extensa carrera.

El atractivo de este disco no es tanto el exotismo que aporta el koto y los originales arreglos de la virtuosa Miya Masaoka, sino que realmente es un muy buen disco de jazz, y tiene bastantes números para gustarte si te ha gustado este de Minoru Muraoka.



Miya Masaoka Trio “Monk’s Japanese Folk Song” (Dizim Records, 1997)
Miya Masaoka (koto); Reggie Workman (contrabajo); Andrew Cyrille (batería).


Aquí un par de temas del disco, la versión del “Monk’s Mood” y la de "Japanese Folk Song", una composición poco conocida de Monk que incluyó en su disco "Straight, No Chaser" de 1967:

Buenos días!
Aunque no muy dado a extenderme en mis comentarios, me parecía una descortesía no participar en este muy bien llevado hilo, iniciado por nuestro compañero Tocho con el título de "El rincón de los pesaos".
Para ello traigo un disco de un pianista clásico dedicado, una vez más, a interpretar la música del genial Thelonious Monk, fallecido diez meses antes de un ataque cardiaco.
Me refiero al ábum "Thelonica" de Tommy Flanagan, grabado a finales de 1.982 en Nueva York para Enja Records, y compuesto, salvo en su último tema obra del propio Flanagan y que da título al disco, en su integridad por Monk.
En este trabajo el pianista se acompaña de una sección rítmica impecable, Art Taylor a la batería  y el contrabajista George Mraz.
Estamos pues ante un trío clásico, de los que me gustan, apoyado en tres sólidos pilares, dada la talla artística de sus integrantes, y con una música excepcional. Nada puede fallar.
En este disco homenaje al pianista de Carolina del Norte, que había fallecido ya retirado, podría pensarse que Flanagan, dadas las circunstancias, se limitaría a interpretar los temas adoptando el estilo interpretativo de Monk. Sin embargo, como es norma de un auténtico artista, él toca de forma diferente, a su  propio modo pero sin olvidar la llama que alumbra las composiciones del homenajeado.
Espero que el disco seleccionado sea del agrado de mi admirado Tocho. Al menos, conocida es su pasión por el protegido de la baronesa Pannonica.
Y espero haber escrito suficiente!  

Os propongo dos discos de jazz microtonal. La música microtonal utiliza notas que caen entre los 12 tonos y semitonos que caracterizan la casi totalidad de la música occidental. Imaginaros tocar un piano con micro-teclas entre las blancas y las negras…
Las melodías resultan bastante extrañas y “desafinadas” para nuestro oído acostumbrado desde siempre a las tónicas.

“Mikrojazz – Neue expressionistische musik”, 2017, RareNoise Records



https://open.spotify.com/album/28XD8QfQhPxER1QNMcO0IH

Philipp Gerschlauer saxofono, David Fiuczynski guitarra “fretless”, Jack DeJohnette batería, Matt Garrison bajo eléctrico “fretless”, Giorgi Mikadze keyboards.
En el conjunto me pareció un álbum interesante y variado que me ha abierto un universo sonoro desconocido.

Siguiendo la pista del guitarrista he llegado a este otro álbum

“Flam! Blam! Pan-Asian Microjam!”, David Fiuczynski, 2016, RareNoise Records



https://open.spotify.com/album/2fv4DzvZRzPnJdhezg5au4

Atención al subtitulo “Hommage a JDilla et Olivier Messiaen”. O sea, un disco raro de pelotas en el cual se pueden también oír las grabaciones de varios pájaros, una clara referencia a Messiaen (para los ornitólogos entre nosotros: bribón común, carbonero de Carolina, ruiseñor del norte, solitario de caranegra y uirapuru brazileño).

El guitarrista David Fiuczynski que lidera este disco es director del Planet MicroJam Institute en la Universidad de Berklee (casi nada) y le acompañan sus antiguos estudiantes (batería, violín, oboe chino, percusiones) más un saxofonista de peso como Rudresh Mahanthappa.

Me gustó… es grave doctor?

Hola de nuevo . Si que me ha gustado Miya Masaoka, no la conocía. El "Thelonica" de Flanagan que ha dejado Sumiko también me ha gustado bastante, gracias a ambos. Me gustan mucho las fusiones exóticas y por asociación con Masaoka y su koto he recordado el "The Rubáiyát Of Dorothy Ashby" de Dorothy Ashby. Este es un álbum de la gran arpista de jazz grabado a fines de 1969 y principios de 1970. En este, Ashby toca el koto, demostrando sus portentosas habilidades para integrarlo en el jazz.

Al revisar el álbum para AllMusic, Thom Jurek escribe: "El tiempo y el espacio se suspenden y se abren nuevas dimensiones para cualquiera que esté dispuesto a dejarse acariciar por dentro y que esta singular creación derrame su magia... Dependiendo de qué tan purista de jazz seas... Para aquellos que permanecen abiertos, este puede ser su mejor álbum y momento..."  Un crítico de Dusty Groove declaró: "¡Increíble trabajo de la increíble Dorothy Ashby, un brillante conjunto de canciones soul, respaldadas por el arreglista de Chicago Richard Evans!"

Este álbum es uno de los trabajos de Ashby que más me gustan; está dedicado a los escritos del místico sufí y poeta Omar Khayyam, una de las fuentes que guían el sonido más espiritual de Dorothy, que a finales de los años 60 se abrió de una manera no muy diferente a la del trabajo de Alice Coltrane, ¡pero mucho más enfocada y mucho más funky!

Ashby no solo toca su habitual arpa de jazz, sino que también el koto, canta un poco, y el grupo más grande dirigido por Evans presenta el trabajo de Stu Katz en vibráfono y kalimba, Lenny Druss en flautas, Cash McCall en guitarra; todo en un ritmo... ¡esto es un precursor de la generación Earth Wind & Fire de la escena de Chicago!  Todas las composiciones de Dorothy Ashby.  Me encanta...